De Que Hablamos Cuando Hablamos De Rock Nacional Argentino?

Foto: Swapnil Sharma on Unsplash GÉNERO: ROCK NACIONAL Rodolfo Edwards ¿Cuándo se empezó a decir “rock nacional”? Es una pregunta que me hago, sobre todo ahora que, según algunos, parece estar prohibido decir “rock nacional”. Hay que decir “rock argentino”, de lo contrario uno se expone a una grave sanción moral.

• Escucho Rock Nacional (porque así se le dijo siempre) desde los primeros años de mi adolescencia y no deja de asombrarme que se fustigue de tal manera a los que seguimos llamándolo así.
• La hipercorrección política suele forcejear con los hechos de la historia y altera los conceptos hasta falsearlos.
• Algo así está ocurriendo últimamente con el nombramiento del rock que se hace en la República Argentina.

Se ha transformado en un asunto controversial referirse a nuestro rock como “nacional”. A tal punto llega esta aversión a decir “rock nacional” que el otro día un animador televisivo presentó a un músico como “una leyenda del Rock Nacional”; a los pocos minutos llamó al canal un célebre tecladista, completamente indignado, y lo instó al animador a enmendar el supuesto error.

1. No se debía decir “rock nacional”, está prohibido decir “rock nacional”, hay que decir “rock argentino”.
2. Hice un relevamiento en publicaciones gráficas, programas televisivos y radiales, y también exploré la jungla de las redes sociales, y constaté que somos pocos los que todavía persistimos en llamar rock nacional al Rock Nacional, género que ya lleva más de medio siglo en acción.

Sólo la emisora Mega sigue blandiendo la leyenda “puro Rock Nacional”. Una ostensible mayoría dice “rock argentino” y señala con el dedo a los que osamos seguir diciendo “rock nacional”. Sostienen que este término fue acuñado por los esbirros de la última dictadura militar, cuando decidieron “nacionalizar” el rock, durante la Guerra de Malvinas.

Consulté a Daniel Ripoll (fundador de la revista Pelo y organizador de los primeros festivales de rock en Argentina: los legendarios “B.A. Rock”) sobre el tema y me aseveró que ese término empezó a emplearse en artículos de la revista Pelo, alrededor del año 1972. Hay una prueba que es como la del carbono 14 o la germinación del poroto: poniendo “rock nacional” en cualquier buscador de Internet, lo primero que sale es información sobre el rock nacional argentino, lo que demuestra que el término es marca registrada.

El rock hecho en Argentina alcanzó dimensiones identitarias como ningún otro en lengua castellana. Tanto en Latinoamérica como en España, el rock facturado en Argentina, es reconocido por su calidad e influencia. Esa obstinación por evitar el término “nacional”, pienso que obedece a la mala prensa que goza el concepto de “nacionalismo” que suele asociarse muy rápidamente al tristemente célebre “nacional socialismo” o a cualquier otra encarnación del totalitarismo.

Pero lo “nacional” no es necesariamente pernicioso, no siempre adopta maneras chauvinistas. Obviamente los malos usos del nacionalismo por lo general derivan en catástrofes sociales. Pero ¿el adjetivo “nacional” como atributo de “industria” o de “cultura” es también cuestionable? Defender lo propio, ponerlo en valor, con un sentido de pertenencia, bregar por la independencia económica frente al embate de los poderes transnacionales y la globalización cultural, todo aquello que impide “ser” a los socios minoritarios de la aldea mundializada, generar sentidos comunitarios, apreciar nuestra cultura: pienso que todos estos factores no puede ser considerados como aberrantes.

En un planeta plagado de injusticias y desequilibrios, hoy cuesta imaginarse, como cantaba Lennon en “Imagine”, un mundo único y fraterno. Siempre es conveniente contextualizar los entramados históricos y políticos, ya que generalizar puede conducir a ingratos equívocos.

Después de la Segunda Guerra Mundial, en los países en vía de desarrollo, comienza a cobrar forma el fenómeno de la sustitución de importaciones, un proceso que muestra el incipiente desarrollo de las industrias nacionales que comienzan a manufacturar sus propios productos, aligerando el histórico rol de ser solamente proveedores de materia prima a los países centrales.

Mientras se acomodaban las piezas en el tablero geopolítico internacional, en nuestro país la industrialización (que ya había comenzado a insinuarse en la década del 30) ocupó un lugar central en las políticas económicas implementadas por el primer gobierno peronista que asumió el 4 de junio de 1946.

Esto incrementó el empleo, dio impulso al mercado interno y favoreció la movilidad social. Miles de argentinos pudieron alcanzar una ciudadanía plena. Pensadores como Rodolfo Kush o Juan José Hernández Arregui dedicaron gran parte de su obra a tratar de dilucidar qué es el ser nacional, desde una perspectiva profundamente latinoamericanista.

Valgan estas referencias como introducción para reflexionar sobre qué hablamos cuando hablamos de rock nacional ¿Qué es el Rock Nacional? Decir “rock nacional” es simplemente la denominación con que se designó a la música argentina, vinculada a géneros y subgéneros derivados del rock anglosajón y norteamericano.

A comienzos de la década del 70, cuando fue acuñada esta acepción, lejos estaban los protagonistas de sospechar que en el futuro sería tan cuestionada. La apropiación de una música de origen foráneo como el rock and roll fue paulatina, ya que la deglución de semejante mole cultural, que había revolucionado los espíritus juveniles en la América del Norte, llevó varios años.

Los albores del rock and roll en la Argentina, a mediados de la década del 50, tuvieron como animador y protagonista a Eddie Pequenino, un carismático trombonista y cantante que supo liderar con maestría combos que aplicaban las recetas de aquel rock primigenio, cultivado por pioneros como Billy Halley, el famoso hombre del jopito que hacía bailar a su público alrededor del reloj.

• Antes del nacimiento de lo que llamamos Rock Nacional, hubo una transición entre esos primeros atisbos y el efectivo surgimiento del género.
• El Club del Clan con su fábrica de ídolos, la música “beat” que practicaban infinidad de bandas que, por lo general, cantaban en inglés, fueron la plataforma desde donde se maceró una nueva sensibilidad que moldeó la gramática de una tribu nueva, inédita e incómoda para los paradigmas de la época.

El 2 de junio de 1966 Los Beatniks entran a grabar lo que sería su primer y único simple: de un lado tenía la canción “Rebelde”, de autoría compartida por Moris y Pajarito Zaguri. Esta canción es el acta fundacional del Rock Nacional, que todavía no se llamaba así, era un vástago sin nombre pero que ya se animaba a berrear de lo lindo, gritando cosas como esta: “rebelde me llama la gente/rebelde es mi corazón/soy libre y quieren hacerme/esclavo de una tradición”.

Aquel simple fue retirado de circulación y censurado por la flamante dictadura de Juan Carlos Onganía que había asumido a fines de junio, luego del golpe militar propinado al gobierno constitucional de Arturo Umberto Illia. Después vinieron gatos, almendras y manales: la rueda echo a rodar y ya nada fue igual en la música popular argentina: había nacido una cultura que se reconoció en ciertos códigos estéticos y políticos, que inventó formas novedosas de sociabilidad y difusión, engendrando una fuerte identidad, única e intransferible.

Como si fueran las páginas de un libro, hojeo los discos de Los Gatos, Almendra, Manal, La Pesada del Rock and Roll, Vox Dei, Arco Iris, Pescado Rabioso, Color Humano, Aquelarre, Pappo’s Blues, Vox Dei, Pedro y Pablo, El Reloj, Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, Polifemo y Crucis, y todavía me emociona percibir esa vibración que emana de esa manera tan peculiar de entender el rock en nuestro idioma.

1. Una búsqueda que aún continúa, con otros actores pero con una delgada línea que se fue transmitiendo a lo largo de los años, aunque en el camino hubo cortocircuitos e interrupciones, refresh y reseteados, anatemas y negaciones, condenas y absoluciones.
2. ¿Se murió el Rock Nacional? A veces me invaden fantasías apocalípticas y pienso que el período clásico del Rock Nacional tuvo su final en el festival B.A.

Rock de 1982 y que ya nunca volvería a ser lo que fue. Algo feneció cuando se apagaron las luces de aquel festival, un espíritu desencarnó del cuerpo que habitaba, una emigración súbita que dejó un espacio yermo. Como que lo más noble ya había sido ofrendado y empezaba el tiempo de la melancolía, un gris de ausencia empezaba a nublar el camino.

• Nunca nos damos cuenta cuando algo sucede por última vez.
• Los discos de vinilo se derretían como los relojes de Dalí.
• Y nosotros, lo de entonces, ya no somos los mismos.
• Nos convertimos en porsuigiecos que asustan en noche de luna llena a los peatones desprevenidos.
• Alguna vez imaginé cómo podría haber sido esa muerte, ese entierro de la época dorada: Ahí va el Capitán Baglietto, alimentando pacúes en su cabina.

Sin brújula y sin radio, jamás podrá volver a Rosario. El flaquito Fito Páez escarba los huesos podridos del Rock Nacional, buscando una canción, sólo una canción. En el B.A. Rock 82 se redacta el Acta de Defunción del Rock Nacional; en el sepelio, el Conde Cutaia toca la marcha fúnebre con un Hammond prestado.

Carola canta el Blues de Cris con voz desgarradora. Piero, todo vestido de blanco, se pregunta ¿qué hago yo aquí? Los muchachos de Polifemo arrojan la partitura de “Sueltate rock and roll” sobre el ataúd pintado por Juan Orestes Gatti. Una máquina de humo hace diabólicos efectos durante la ceremonia. En las nubes pueden verse la carita redonda de Billy Bond, las zampoñas de Los Jaivas, la tapa de una revista Pelo.

Todo se borra, lentamente. En el cambio de década entre los 70 y los 80, el Rock Nacional parecía herido de muerte. Las nuevas bandas que surgieron en ese momento, fueron impiadosas con los músicos del pasado, aquellos que habían fundado y contribuido a afianzar el género.

Se trataba de hacer borrón y cuenta nueva. La música explotó como una piñata: pop, reggae, dancehall, rocksteady, ska, rockabilly, punk, post punk, heavy metal, dark, new romantic, rock steady.En cada esquina se hablaba una lengua diferente, una torre de Babel empezó a sumar pisos y se perdió para siempre el aura.

Aquellas tribus empezaron a guerrear entre sí. Tachas, gilletes, cadenas. Cada maestro con su librito. Los Violadores cantaban en “Viejos patéticos”, un ataque frontal a la generación rockera setentista: “no queremos aburrirnos/no queremos convertirnos/sólo queremos referirnos a la realidad/basta de “Hospicios”, “Betos” y “Cósmicos”/son sólo poses viejas, viejos, vieja”.

Virus denunciaba la complicidad de los rockeros nacionales con la dictadura: “Han sacrificado jóvenes terneros/para preparar una cena oficial/se ha autorizado un montón de dinero/pero prometen un menú magistral”, decía la letra de Roberto Jacoby en la voz de Federico Moura, cuyo hermano Jorge, había sido secuestrado y desaparecido en 1977.

La divisoria de aguas fue la participación de todo el establishment del rock, en el Festival de la Solidaridad Latinoamericana, que se hizo un día lluvioso de junio de 1982, con el objeto de juntar ropa y alimentos para los chicos que estaban peleando en la Guerra de Malvinas.

Lo recaudado aquel día, se perdió en el camino, nunca llegó a las islas. Aquel día subieron al escenario, montando en la cancha de rugby de Obras Sanitarias, Charly García, Spinetta, Litto Nebbia, Pappo, Javier Martìnez, Ricardo Soulé, Rubèn Rada, David Lebón, León Gieco, Nito Mestre, Raúl Porchetto.y siguen las firmas.

Otros protagonistas de las nuevas generaciones tomaron la posta. Fito Páez, Andrés Calamaro o Gustavo Cerati honraron y continuaron el legado del Rock Nacional, tomando de aquellas líricas el perfume de su esencia, revisitando las poéticas de Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Javier Martínez, Moris o Luis Alberto Spinetta.

Decidieron no cortar el hilo. El grupo Pez tituló unos de sus discos Rock Nacional, y uno de sus integrantes, Ariel Minimal, integró la banda La Luz, una de las tantas formaciones de Litto Nebbia. Divididos tiene una canción llamada “Pepe Lui” que hicieron en homenaje a un entrañable amigo de la banda, José Luis Barrionuevo, que encarnaba el epítome del fan del Rock Nacional.

Diego Arnedo, bajista de Divididos, contó una vez que Pepe Lui tenía la casa llena de revistas, discos y cassettes, escuchar música con él se convertía en una especie de ritual: “la suspensión/que el pelo pide al caminar/resortes de un andar/clavado en los setenta/dos de cristal en la bolsa/más rápido que un rayo/un mundo en miniaturas/revistas de rock/pero de rock nacional () Aquel mueble de su vieja/cajones de los misterios/melodías de pescado/siempre sonarán/en lo del flaco Pepe Lui”,

• La canción rescata la pureza de un seguidor del movimiento y la mística que generó al Rock Nacional en sus primeros años de existencia.
• El trovador Alejandro del Prado fue quien mejor interpretó la nostalgia por el tiempo de los fundadores.
• El tanguito de Almendra” es tal vez el mejor homenaje que se haya hecho a la generación de los pioneros; en la canción, del Prado intercala versos de Litto Nebbia y Spinetta: “Te acordás cuando escuchábamos a Almendra/en el Winco reventado de una siesta/sin pensar que aquellas ondas, su polenta/marcarían la cultura de esta tierra./Si algo ha cambiado, eso es nosotros/por suerte hermano, después de todo/sobrevivimos a la gran pálida/hoy quiero verte bailar”.

Ha pasado mucha agua bajo el puente pero sigue brillando un alma de diamante. ¿Rock Nacional o Rock Argentino? Ustedes dirán. Rodolfo Edwards (Buenos Aires, 1962) es poeta, crítico literario y periodista cultural. Se graduó en Letras por la Universidad de Buenos Aires y es especialista en Literatura Argentina y Latinoamericana. Ha publicado numerosos libros de poesía entre 1999 y el presente; entre ellos: That’s amore (2000), Mosca blanca sobre oveja negra (2007), Mingus o muerte (2009), Panfletos de papel picado (2015) y El Campeón del Baile Suelto (2019).

• Eloísa Cartonera editó en 2016 La épica del movimiento continuo, su obra poética reunida.
• Dirigió las publicaciones La Mineta y La novia de Tyson y participó en el proyecto 18 whiskys,
• En 2014 publicó el ensayo Con el bombo y la palabra.
• El peronismo en las letras argentinas.
• Una historia de odios y lealtades (Seix Barral).

Participó de las compilaciones de ensayos Tres décadas de poesía argentina.1976-2006 (2006), Peronismo y representación. Escritura, imágenes y políticas del pueblo (2015), Iniciado del alba. Seis ensayos y un epílogo sobre Luis Alberto Spinetta (2016), Leopoldo Marechal y el canon del siglo XXI (2017) y Walsh en presente (2017).

¿Qué expresa el rock nacional argentino?

El rock nacional como movimiento social – La juventud argentina adaptó a su realidad los ideales “rebeldes” provenientes del exterior, y se identificó con ellos, para, de esta manera, constituirse como un movimiento que se va a expresar a través del rock.

El carácter de movimiento social lo adquiere por el grado de representatividad, de construcción de la identidad y de organización. Al respecto ATPA consultó al sociólogo Marcelo Padilla: “El rock va cobrando más características de movimiento en la medida en que avanza el nivel de conflictividad social en la Argentina a partir de los 60.

En este marco de conflictividad se produce una resignificación a partir de la cual se empieza a desarrollar el movimiento del rock nacional con algunas banderas propias, se empieza a componer en castellano, aparecen los primeros maestros que van a ser los que forman las escuelas de rock y sus estilos”, dijo Pidilla.

En 1967, Litto Nebbia y Los Gatos dieron la primera estocada en lo que entonces se denominaba “música de progresión nacional”, con su simple debut, “La Balsa”. En esta década, la ideología que giró en torno al rock nacional fue sólo una de las tantas posibilidades con las que contó la juventud argentina para expresar su identidad.

En ese entonces, el rock nacional construyó sus doctrinas, enfrentado, por un lado, a la música comercial y, por el otro, a las prácticas políticas de la juventud de izquierda. “El movimiento del rock comienza a aglutinar a aquellos que no se interesan por la política ni por el rock comercial, y que van a encontrar un sentido en los diversos estilos del rock.

• Ahí se puede decir que el rock empieza adquirir en Argentina características propias de rock nacional” afirmó Padilla.
• También, en la década del 60, se estableció un conflicto dentro del rock nacional sobre el sentido ideológico de la palabra rock.
• En dicho conflicto se discutía quiénes ostentaban la ideología hegemónica del movimiento; en relación a esto Pablo Vila afirma que “Es necesario puntualizar que la ideología del rock nacional, de fines de los 60 y principios de los 70, mezclaba de manera muy particular temas de la realidad argentina con otros provenientes del escenario internacional.

Así, no es difícil encontrar letras y actitudes de los músicos que hacen referencia al compromiso con los jóvenes de la clase trabajadora, como lo hacían las versiones extranjeras, como por ejemplo, Billy Bond y la Pesada del Rock” Pero, en la década del 70 se produce un cambio en la ideología del movimiento: de allí en más, el rock nacional no sólo va a representar a la juventud de la clase trabajadora, sino también a la juventud de la clase media.

La presencia de la clase media fue posible por la incorporación, en el movimiento del rock, de Sui Géneris Durante la dictadura, instaurada a partir del golpe militar de 1976, debido a la ausencia de otras agrupaciones sociales que permitan la participación de los jóvenes en espacios públicos, el movimiento del rock se convierte en el único ámbito en el que ser joven estaba permitido.

De esta manera, asistir a recitales o juntarse con amigos a escuchar música era el refugio de los jóvenes argentinos, un refugio de sociabilidad, de complicidad, de placer en el que se intentaba resguardar la identidad que la dictadura militar negaba.

1. Como Padilla afirmó: “el rock y la política nunca se han llevado bien.
2. Justamente la política fue eco de persecuciones, la juventud argentina tiene la mayor cantidad de desaparecidos, el 67 por ciento de los 30000 desaparecidos eran jóvenes de niveles secundarios, universitarios o agrupaciones barriales” Debido a esta situación el movimiento del rock durante el proceso se caracterizó por una gran diversidad de estilos y porque se dejó de lado los debates acerca de quiénes representaban la verdadera ideología del movimiento, ya que, la tensión estaba puesta en el mantenimiento de las identidades de los jóvenes y no en luchas internas musicales.

Fue en ese momento en el que se produjo un cambio de denominación que se corresponde con la función social que el movimiento asumía: “el movimiento paulatinamente cambia de nombre. Paso a paso se transforma en “rock nacional” en lugar de “música progresiva nacional”.

1. Esto es así porque el rótulo rock aparece como más adecuado que música progresiva para la construcción de una identidad colectiva.
2. En primer lugar, porque la palabra rock deja abierta la posibilidad de otras connotaciones además de la musical, y en segundo lugar, connota mucho más claramente a un movimiento juvenil que la denominación más ambigua de música progresiva.”, sostiene Pablo Vila en su libro.

En la época de Malvinas, el rock adquiere una dimensión significativa debido a la restricción política de la música extranjera, sobre todo cantada en inglés. Comenzó entonces, una re-nacionalización en el rock, donde el pop empieza a alcanzar una posición hegemónica dentro del movimiento, situación que se verá más explícitamente en democracia.

Con la vuelta de la democracia en 1983 y el permiso de participación de los jóvenes en otros canales de expresión, el movimiento recupera la heterogeneidad ideológica y de seguidores, que desde sus comienzos lo han definido. A diferencia de épocas pasadas, el debate dentro del movimiento estuvo influido por los intereses económicos de las empresas discográficas, al modificar el recorrido comercial de la música: “el tradicional circuitode la dinámica rockera que se basaba en recital-convalidación de la propuesta-edición del disco fue suplantado por otro que tiene su origen en el disco y el pago por pasada” concluyó Pablo Vila En toda su historia, el rock nacional, como movimiento social que representa las identidades de los jóvenes de diferentes grupos sociales, ha convivido con los gobiernos de turno y ha demostrado la importancia que el mismo movimiento ha tenido para sus seguidores como forma de dar pelea.

“Lo que unifica el movimiento a nivel ideológico es una constante critica a la sociedad” aseveró Padilla. : “Lo que unifica al rock es una constante crítica de la sociedad”

¿Qué características tiene el rock nacional argentino?

Las características del rock nacional argentino y sus artistas principales – Una de las primeras particularidades es que ritmos y estilos de muy variado tipo. Así, en sus orígenes pudo haber tenido similitudes con el rock and roll de los 50 estadounidense pero luego ha desarrollado otras formas como el rock psicodélico, el punk, el heavy metal o el jazz y el blues.

Esto ha hecho que a lo largo de las décadas, enorme cantidad de artistas hayan podido experimentar y pasar por diferentes géneros contribuyendo a que la de la música argentina sea más y más compleja. Entre las bandas originales, que para muchos son las representantes del comienzo o de los inicios, debemos mencionar a Los Gatos (integrada entre otros por Litto Nebbia y con un estilo beat o psicodélico, responsable además de la canción «La Balsa»), Manal (representante del género blues y soul) y Almendra (con Luis Alberto Spinetta como líder, con canciones de fuerte enraizamiento popular).

Luego de estas tres bandas encontramos muchas otras que han tomado de ellas, autores como Charly García que ha creado innumerables grupos y que ha trabajado también como solista y que es en la actualidad uno de los máximos referentes del país. Vale señalar que muchos de estos artistas serían censurados y deberían incluso algunos de ellos emigrar debido a la dictadura militar de 1976.

¿Cómo nace el rock nacional argentino?

Luis Alberto Spinetta – Seguidamente, Luis “El Flaco” Spinetta (1950-2012) también comparte el título de padre del rock argentino con Charly García. Su voz se hizo escuchar en medio de los tiempos turbulentos en los que la rebeldía poética y musical eran una forma de ir en contra de la dictadura en Argentina. El Flaco Spinetta posando para la Revista Pelo en 1976 ( Rubén Andón, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons / Recorte, mejora de tono y resolución de la original). Spinetta, en 1967, formó la banda Almendra y, tras su separación, El Flaco se mantuvo en la música rock argentina con Pescado Rabioso, que dejó ver los matices más rústicos y agresivos del rock and roll en español.

¿Cuál es el mensaje del rock?

No debe confundirse con el estilo original de los años 1950 conocido como Rock and roll,

Rock
Orígenes musicales	Rock and roll rockabilly blues blues eléctrico folk country rhythm and blues soul jazz
Orígenes culturales	Década de los 50 y 60, Estados Unidos y Reino Unido
Instrumentos comunes	Bajo batería guitarra eléctrica teclados voz
Subgéneros
(véase subgéneros del rock )
Fusiones
Rock andaluz, blues rock, country rock, dance rock, folk rock, funk rock, jazz fusión, noise rock, pop barroco, pop punk, pop rock, raga rock, rap rock, reggae rock, rock electrónico, rock industrial, rock latino, stoner rock
Escenas regionales
(véase rock por país )

El rock es un amplio género de música popular originado a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que derivaría en un gran rango de diferentes estilos a mediados de los años 1960 y posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido. ​ ​ Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50, estilo nacido directamente de géneros como el blues, el rhythm and blues (pertenecientes a la música afroamericana ) y el country,

También se nutrió fuertemente del blues eléctrico y el folk, además de incorporar influencias del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Instrumentalmente, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, en general como parte de un grupo integrado por batería, bajo, uno o más cantantes y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano,

Usualmente, se basa en canciones en compás de 4/4 y una estructura verso-estribillo, sin embargo, el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características comunes son difíciles de definir. Como la música pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan un amplio rango de otros temas con un enfoque frecuente en lo social, lo personal y lo político.

• A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a adoptar el álbum como medio dominante de difusión, expresión y consumo de música grabada.
• The Beatles fueron la cara principal del desarrollo comercial del género y sus producciones llevaron a la legitimación cultural del rock en el mainstream, iniciando así la época del álbum en la industria musical que perduraría varias décadas.

Ya a finales de la década de 1960, a la que se refiere como el periodo del « rock clásico », ​ habían surgido numerosos subgéneros, entre ellos, híbridos como el blues rock, folk rock, country rock, rock sureño, raga rock y el jazz rock, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico, influenciado por la escena contracultural psicodélica y hippie,

Entre los nuevos géneros que emergieron de esta escena se incluyen el rock progresivo, que amplió los elementos artísticos, el glam rock, que resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual, y el heavy metal, que se centra en el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y reaccionó contra algunas de estas tendencias con una música cruda y energética y letras altamente políticas.

Durante la década siguiente, el punk fue una de las principales influencias en el desarrollo de otros subgéneros como el new wave, el post-punk y, finalmente, el rock alternativo, A partir de la década de 1990, el rock alternativo se convirtió en el estilo dominante del género y se hizo conocido en las formas de grunge, Britpop e indie rock,

Desde entonces, han aparecido diversos subgéneros de fusión, incluidos el pop punk, el rock electrónico y el rap rock y rap metal, así como varios intentos de revivir la historia del rock con el resurgimiento de géneros como el garage rock / post-punk durante los años 2000. La década de 2010 marcó un declive en el impacto y la relevancia cultural del rock, cuando géneros ajenos como el hiphop lo superaron en popularidad y dominaron gran parte del mainstream musical.

La música rock también abarcó y sirvió de vehículo para movimientos culturales y sociales, lo que llevó a la creación de subculturas como los mods y los rockers en Reino Unido y la contracultura hippie en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960.

¿Qué ritmo tiene el rock argentino?

Rock de Argentina 1. Amantes de la Música. Primera entrega De interés general Fuente Wikipedia. El rock argentino (en Argentina también llamado “rock nacional”), es una denominación musical muy amplia, aplicada a cualquier variedad de rock and roll, blues rock, jazz rock, pop rock, punk rock, new wave, garage rock, ska punk, rock psicodélico, hard rock y heavy metal, entre otros estilos musicales.

Argentina fue el primer país del ámbito iberoamericano que después del anglo-sajón (Estados Unidos, Gran Bretaña y Australia, sus lugares de origen), combinó los diversos géneros derivados del rock and roll con elementos autóctonos, desarrollando así un rock de identidad propia, que recibió el nombre de “rock nacional”.

También fue el primero en utilizar una lengua que no fuera el inglés para comunicar y describir temáticas afines a su idiosincrasia y abundantes referencias a la geografía local, convirtiéndose así en precursor del rock en habla hispana y el que logró inicialmente mayor éxito comercial fuera de sus fronteras.

Los artistas pioneros de este movimiento fueron Sandro; Luis Alberto Spinetta y su banda Almendra; Vox Dei; Moris y Pajarito Zaguri con su grupo Los Beatniks; Miguel Abuelo con Los Abuelos de la Nada; el trío Manal con Alejandro Medina, Javier Martínez y Claudio Gabis; Tanguito; Litto Nebbia con Los Gatos; el guitarrista, cantante y compositor Norberto Pappo Napolitano, y más tarde Charly García, con bandas como Sui Generis o Serú Girán y Alejandro De Michele con su banda Pastoral, entre otros.

Luego surgieron otros nombres, reconocidos exponentes de la cultura popular argentina, que marcaron a fuego el rock en español: G.I.T., Virus y su líder Federico Moura, el grupo hispano-argentino Los Rodríguez, Los Enanitos Verdes y su compositor Marciano Cantero, Los Fabulosos Cadillacs, los pioneros Punk Los Violadores; grandes convocantes de masas a nivel local como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y su cantante el Indio Solari, Soda Stereo y su líder Gustavo Cerati, La Renga y su compositor Chizzo Nápoli, Sumo y su vocalista Luca Prodan, Rata Blanca y su fundador Walter Giardino; destacados compositores que emprendieron carreras solistas como Andrés Calamaro, Fito Páez, Vicentico, o León Gieco; referentes del rock pesado como Riff, Ricardo Iorio y sus bandas V8, Hermética y Almafuerte, O’Connor; y la corriente del nuevo rock: Divididos, Los Piojos, Las Pelotas, Ratones Paranoicos, La Bersuit, Ataque 77, Los Pericos, Babasónicos, Callejeros, Las Pastillas del Abuelo, Pity Álvarez y sus bandas Viejas Locas e Intoxicados, Catupecu Machu, La Mancha de Rolando, Los Auténticos Decadentes, Jóvenes Pordioseros, entre tantos otros.

• El rock en Argentina comenzó a interpretarse en la segunda mitad de los años 60.
• En esta época comenzó a formarse un género musical que fue denominado primero “Beat”, más tarde “música progresiva” y finalmente “rock nacional”, cuando varios grupos underground empezaron a componer canciones en español sobre asuntos que preocupaban a los jóvenes de ese momento.

Desde fines de los años 50, los grupos locales se dedicaban a cantar en español y en inglés canciones de rock and roll, originales o covers de éxitos internacionales, sin conferirles identidad musical propia. Pero a partir de la mitad de la década del 60, el rock argentino inició una evolución constante que durante las décadas de 1970 y 1980, y especialmente tras la Guerra de las Malvinas, cristalizó en un movimiento de características estéticas bien definidas y reconocimiento internacional.

1. Primeros años 1956-1964 Artículo principal: Orígenes del rock argentino.
2. Sandro, quien en sus inicios tocaba rock and roll (uno de los primeros del país), influyó decisivamente en el nacimiento del rock argentino.
3. Es notable su estética Elvis.
4. El rock and roll surgió en los Estados Unidos sobre una base de rhythm & blues; ganando popularidad en los años 50, con músicos como Elvis Presley y Bill Haley (quien visitó la Argentina en 1958), y despertando el interés de varios artistas argentinos en imitar esos sonidos.

Entre esos primeros artistas se encontraban Eddie Pequenino. La primera agrupación de rock argentina fue Mr. Roll & The Rockers, una banda liderada por Eddie Pequenino, formada en Buenos Aires en 1956 con Lalo Schifrin como pianista. La misma interpretó canciones de grupos estadounidenses, teloneó a Bill Halley cuando visitó la Argentina e hizo sus propias composiciones que fueron registradas en un LP por el sello CBS.

Un importante fenómeno para el rock argentino en sus comienzos fueron los músicos chicanos y mexicanos de rock de fines de los años 50 y comienzos de los 60. En el primer caso Ritchie Valens impuso en 1957 en “La Bamba”, el primer éxito mundial del rock en español. En el segundo caso, bandas como Los Teen Tops, Los Blue Caps y Los Locos del Ritmo realizaron adaptaciones en español de temas de Elvis, Chuck Berry, Little Richard, Buddy Holly y otros, que se volvieron clásicos latinos como “La Plaga” y “Popotitos”.

Muchos artistas de la época admitieron que esas bandas mexicanas tuvieron una fuerte influencia en los comienzos del llamado «rock nacional» argentino tales como Los Gatos y varios más, no sólo en Argentina sino en casi todos los países de habla hispana.

1. Litto Nebbia dice en su libro Música progresiva argentina que se unió a una banda en 1961 en Rosario y que en ese momento existían muchos grupos influenciados por el rock mexicano.
2. Las bandas estadounidenses eran la fuente de la música y las mexicanas las que tomaban ese sonido y lo exportaban al resto de la región.

Fue en este contexto en el que apareció el primer ídolo fulgurante del rock argentino, Billy Cafaro, quien tuvo un efímero pero resonante éxito con sus sencillos “Pity Pity”, “Personalidad”, “Marcianita” y otros, interpretados en español. En julio de 1961 se registró el sencillo en 45 RPM, el primer rock en castellano compuesto y cantado por un argentino: “El Rock del ton ton” y en el lado B el tema de Armando Trejo, “Vuelve Primavera”.

1. El apuro de la compañía discográfica por lanzar el éxito musical es tal, que el disco sale sin su nombre.
2. RCA Victor cuenta con una placa que vende más de un millón de copias en muy poco tiempo.
3. Éxito en radios, presentaciones y en las calles surge un muchacho con una voz personal, un aire de Elvis y un fraseo argentino que compone, baila, canta y propone una nueva música que todos siguen: es Johny Tedesco, quién tuvo su primer disco de oro en 1962.

Viajó a Hollywood en donde se consolidó como intérprete en castellano de éxitos de rock de reconocimiento internacional y conoce al Rey del Rock and Roll Elvis Presley. Temas que también serían luego interpretados por otros cantantes argentinos. Posteriormente Sandro graba versiones de Elvis que Johny había grabado: “Eres un ángel disfrazado”, “Bésame pronto”, entre otros.

Luego seguiría con “Presumida”, “Un montón de amor”, “Preciso tu amor esta noche”, “Ocho días a la semana”, “Coqueta”, “La plaga”, entre muchos otros temas de su repertorio que confirman su estilo de Rock, twist, blues que abrieron un sendero para que el Rock se instalara y continuara en su evolución permanente.

En 1963] grabaron una serie de versiones de temas de rock clásico y beat, también cantadas en castellano: “Te conseguiré”, “Anochecer de un día agitado”, “My bonnie”, “El dinero no puede comprarme amor”, convirtiéndose en uno de los grupos de mayor éxito comercial del momento.

• Sandro continuó su carrera como un vocalista baladista melódico/romántico que lo llevaría a la fama en toda América Latina, abandonando para siempre el rock.
• Sandro fue en general rechazado por el mundo del rock argentino, mayoritariamente de clase media, al ser tildado de «grasa», un término despectivo para referirse a ciertos gustos populares, generalmente de sectores trabajadores.

Su tema “Tengo” ha sido considerado el n.º 15 entre los 100 mejores de la historia del rock argentino, por la cadena MTV y la revista Rolling Stone. A partir de los años 1990 el rock nacional revalorizaría a Sandro, y varias bandas incluyeron sus temas en el repertorio rockero, algunas de las cuales se volverían importantes éxitos, como “Dame fuego”.

• Invasiones británicas y uruguayas La banda beat Los Shakers fue una de las más destacadas de las «invasiones uruguayas».
• En 1964 al igual que en el resto del mundo el fenómeno Beatles tuvo una fuerte repercusión en la Argentina.
• El rock internacional empalmó con una generación (nacida aproximadamente entre 1945 y 1960), politizada y movilizada a través de organizaciones estudiantiles y sindicales, que comenzaba a enfrentarse en la calle a las dictaduras militares (sobre todo a partir de 1966), con una activa participación de los jóvenes, tanto varones como mujeres, de la extensa clase media del país.

Esa generación simbolizó su identidad con el rock y la revolución sexual, que opusieron como ruptura radical al tango y a la doble moral machista de sus padres. En la Argentina la llamada invasiones inglesas (con bandas como The Beatles y especialmente, The Rolling Stones, que influyen a bandas argentinas hasta el día de hoy), fueron mucho más influyentes que la ola de rock & roll clásico estadounidense, tanto para el gusto juvenil inicial por el rock & roll internacional como para el surgimiento del rock argentino,

Aunque algunos pocos hablen de invasiones inglesas para referirse al proceso de llegada de bandas británicas, el término casi no se usa y es incorrecto, debiendo utilizarse “Invasión británica”. Los Jets fueron unos de los imitadores de The Beatles más populares en el país, llegando a grabar varios discos con adaptaciones de las canciones del cuarteto de Liverpool.

El trío Manal en una foto tomada en 1968 en Avellaneda: Alejandro Medina (bajo y voz), Claudio Gabis (guitarra, teclados y armónica) y Javier Martinez (batería y voz), pioneros del blues en castellano en Argentina. Pero fueron las notables «invasiones uruguayas» de 1964-1965 las que contribuyeron decisivamente en Argentina para que se comenzara a tocar rock en el país.

1. Inspirados en el nuevo rock británico, muchos músicos jóvenes uruguayos comenzaron a emular sus sonidos.
2. Tres bandas, Los Shakers, Los Mockers y Los Walkers tomaron el estilo de The Beatles y The Rolling Stones, respectivamente, cantando en inglés y así pasaron a Buenos Aires.
3. A mediados de los años 1960 y de la mano del éxito de la Invasión británica, las bandas beat uruguayas alcanzaron cierta popularidad en Sudamérica.

En aquel entonces era impensable que una banda de rock latinoamericana pudiera tener éxito internacional como el que ocurrió con las bandas uruguayas aunque mayormente se limitó a la vecina orilla argentina. De entre todos los grupos uruguayos, Los Shakers se destacaron en particular.

• Si bien eran un grupo beat inspirado abiertamente en The Beatles su sonido se destacó con un estilo propio, una notable calidad musical en sus interpretaciones y originalidad en muchas de sus composiciones.
• Los Shakers comenzaron a presentarse en vivo en muchos programas de televisión de Uruguay, Argentina y demás países.

Debido a su decisión de no desarrollar las letras de sus canciones en castellano, su popularidad decayó. Hoy en día son considerados como una de las bandas más destacables de los años “beatleros”. Mediados y fines de los años 1960 Los Gatos en 1967: de izquierda a derecha: Ciro Fogliatta (órgano), Kay Galiffi (guitarra), Oscar Moro (batería), Litto Nebbia (voz, armónica y pandereta) y Alfredo Toth (bajo).

1. La Balsa” (1967) fue su primer sencillo, desatando una fiebre juvenil masiva por el rock en español.
2. Hacia 1965, el rock se desarrolló rápidamente en la Argentina y así, además de Los Jets aparecieron The Seasons con Carlos Mellino y un extremadamente juvenil Alejandro Medina, Los In, la banda de Francis Smith y Amadeo Álvarez que hacía temas propios, Los Bestias (antecedente de Los Blue Men), Los Bishops y Los Jerks (génesis de La Joven Guardia), Los Knacks, Los Interrogantes, Telmo y Los Stones, Los Comanches, el Cuarteto Sir John, Billy Bond y el Lew Cuarteto, el Gamba Trío y muchos otros que solían aparecer en el programa La Escala Musical, contraposición del Club del Clan, considerado comercial y elemental por los cultores del rock.

Pero fue en la escena underground de Buenos Aires donde las piezas fundamentales del rock argentino comenzaron a emerger. Un reducido grupo de rockeros comenzó a encontrarse en espacios marginales, como «La Cueva», un local musical nocturno ubicado en Pueyrredón 1723, la cercana Plaza Francia, el Auditorio del Instituto Di Tella (Florida al 900) y bares que no cerraban como la legendaria pizzería «La Perla» de plaza Once.

En ese pequeño núcleo inicial se encontraban jóvenes músicos que luego se volverían famosos, como los rosarinos Litto Nebbia y Ciro Fogliatta, los uruguayos Hugo Fattoruso y su hermano Osvaldo, los porteños Mauricio Birabent (luego conocido como Moris), Pajarito Zaguri, Javier Martínez, Francis Smith, Claudio Gabis, Pappo Napolitano, Carlos Mellino, y Alejandro Medina y los bonaerenses Miguel Abuelo y Tanguito, entre otros, así como poetas como Pipo Lernoud y Miguel Grinberg.

Los Beatniks, de los cuales Moris, Zaguri y Martínez eran miembros, comenzaron a llevar al rock argentino en la lenta transición de simples imitadores a un estado musical más creativo. Formados en Villa Gesell (lugar donde se utilizó por primera vez el término “Rock Nacional”), en 1966 grabaron el que es considerado como el primer sencillo del rock argentino: Rebelde/No finjas más.

1. Luis Alberto Spinetta apodado El Flaco en 1976, líder de Almendra y uno de los músicos esenciales del rock argentino.
2. Al año siguiente se publicó el primer número de la revista de rock Pinap, y se fundó el primer sello discográfico argentino de rock: Mandioca, con el eslogan la madre de los chicos.
3. En 1969 cuatro grandes festivales de la autodenominada “música beat” se llevaron a cabo: los conciertos June Sunday, Festival Nacional de Música Beat, Festival Pin Up y Festival de Música Joven.

Durante este periodo se formaron Almendra, grupo integrado por Luis Alberto Spinetta (voz, guitarra), Edelmiro Molinari (voz, guitarra), Emilio del Guercio (voz, bajo) y Rodolfo García (voz, batería) y Manal -trío influenciado por la música Afroamericana, considerado el primer grupo de blues cantado en castellano- integrado por Javier Martínez (batería y voz), Claudio Gabis (guitarra, piano, armónica) y Alejandro Medina (bajo y voz).

Junto con Los Gatos, estas tres bandas son consideradas como la trilogía fundacional del rock argentino. Sin embargo, ninguno de estos grupos tendría una historia muy larga, ya que los tres se disolvieron a principios de los años 70. Después de la separación de Almendra en 1970, Spinetta formó el cuarteto Pescado Rabioso y Edelmiro Molinari el trío Color Humano (ambos interpretando un hard rock de inspiración hippie), y Rodolfo García y Emilio del Guercio el grupo Aquelarre, cuya estética músical ya tendía a la fusión progresiva.

A principios de la nueva década, se destacó también el grupo Vox Dei, integrado por Ricardo Soulé (voz, guitarra, violín), Willy Quiroga (bajo, voz), Rubén Basualdo (batería) y Carlos Godoy (guitarra y voz). Con una mezcla de hard rock y melodías sutiles, esta banda de Quilmes (Buenos Aires), amplió el espectro musical del movimiento y le sumó importantes audiencias en el área suburbana que circunda a la capital argentina, en tanto que su álbum La Biblia fue uno de los trabajos discográficos más ambiciosos y reconocidos de comienzos de la década.

Por su parte, el trío La Cofradía de la Flor Solar, surgido de la comunidad alternativa homónima establecida hacia 1967 en la ciudad de La Plata e integrado originalmente por Kubero Díaz (guitarra y voz), Morci Requena (bajo y coros) y “Manija” Paz (batería), generó la obra musical más destacada de la estética psicodélica argentina, grabando un solo álbum -también producido por el sello Mandioca- en el cual colaboró, entre otros, el guitarrista Skay Beilinson, futuro integrante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Más tarde participaron en la banda músicos de notable trayectoria posterior, como el violinista Jorge Pinchevsky. Esta primera escena del rock argentino estuvo caracterizada por una gran cantidad de cambios en las formaciones de las bandas, y hasta intercambios de miembros entre ellas, o miembros de diferentes grupos formando agrupaciones nuevas.

Durante los años 1970 se produjo un recambio generacional, en donde la primera generación de bandas de rock argentino le pasaría el legado a una nueva camada de artistas que diversificaron aún más al rock argentino, tomando cada vez más independencia creativa del rock estadounidense e inglés. Rock acústico y heavy Arco Iris, en Llegó el cambio, 1972.

A comienzos de los años 1970 se produjo la primera diversificación real del rock argentino. En realidad, la división se había producido antes, cuando algunas bandas comenzaron a tocar un rock más pesado; mientras que el mundo entraba a la época del heavy metal.

1. Entre estas bandas estaban Pescado Rabioso, Vox Dei y Billy Bond y la pesada del rock.
2. Pero de todas las bandas de heavy metal, Pappo’s Blues se convertiría en la banda de metal y blues más influyente de su época, llegando a obtener reconocimiento en el exterior y hasta tocando con B.B.
3. Ing en la ciudad de Nueva York.

El 20 de octubre de 1972, La Pesada participó en el fallido festival de rock en el cual resultaron dañadas las instalaciones del estadio Luna Park, debido al enfrentamiento entre la policía y el público. Los incidentes comenzaron antes del recital y se desataron cuando “La Pesada”, único grupo que aceptó salir al escenario en tales circunstancias, inició su actuación.

Posteriormente, algunos medios atribuyeron los desordenes a la conducta de Billy Bond en el escenario. En un artículo publicado en el diario Clarín el 21 de enero de 2006, Claudio Gabis guitarrista de la banda en esa época, describe así la situación: “Nuestra agonía, la de La Pesada, comenzó esa tan nombrada noche del Luna Park en que los chicos, provocados por las Fuerzas del Orden y los matones de Lectoure, arrasaron con las instalaciones del pugilístico estadio.

Fuera de contexto, la famosa frase de Billy “Rompan todo” puede parecer una infeliz provocación, pero en su verdadero contexto, pasó que Billy –y todos nosotros- vimos como TODA la gente que estaba allí se enfrentaba irracionalmente y como no había nada que hacer con ellos.

• ¡Estaban completamente chiflados, estaban muy mal!.
• Lo que Billy grito desesperadamente cuando vio que la violencia y la estupidez eran irrefrenables, fue algo así como: ¡Esta bien, idiotas.
• Si todos ustedes son tan locos y TONTOS, entonces ROMPAN TODO!.
• Ni hacía falta decirlo.
• Como lamentablemente se comprobó poco después, en Argentina había muchos locos, demasiados tontos, y ya estaba todo roto.” Claudio Gabis.

Alejandro De Michele(De Rojo) y Miguel Angel Erausquin Pastoral 1976. Varias bandas de rock acústico ganaron popularidad, como Vivencia, Pastoral y Alma y Vida. El éxito del acusticazo llevó al rock argentino a una nueva era. Mientras los años 1970 avanzaban, el rock acústico continuó como uno de los estilos más populares en el país, con las bandas arriba mencionadas dominando las listas y los gustos musicales.

Y por primera vez en su historia, el rock argentino comenzó a aparecer en el exterior: Sui Generis y Pastoral ganaron cierta popularidad en otros países de Latinoamérica y el segundo grupo hasta llegó a editar un EP en Japón. Destaca, en esta controvertida década, el primer documental sobre rock nacional que retrataba uno de los más populares festivales de música en la historia argentina: “Buenos Aires: Rock hasta que se Ponga el Sol”.

Fin de Sui Generis Sui Generis: Charly García y Nito Mestre. Charly se convertiría en la figura descollante de la historia del rock nacional. Sui Generis, banda integrada por Charly García y Nito Mestre, comenzó a pasar de un rock clásico y acústico a un sonido más eléctrico y visceral.

Paralelamente, en la escena underground argentina, había bandas nuevas con un sonido diferente del rock acústico y el pesado; influenciadas por un sonido acústico más experimental, el tango y el rock progresivo inglés. El rock progresivo argentino alcanzaría su pico de popularidad en 1975. En ese mismo año, Charly García y Nito Mestre decidieron terminar con Sui Generis, dando dos conciertos de despedida en el Luna Park el 5 de septiembre de 1975 ante 30.000 personas.

Historiadores han llegado a ver a los conciertos despedida de Sui Generis como el final del período “clásico” del rock argentino. El rock acústico pasaba a la historia: las bandas se disolverían o cambiarían su sonido, y aquellas que perduraron perdieron popularidad y/o se convirtieron en grupos de culto.1975-1984: el período medio Rock progresivo Pappo, integrante de varios grupos legendarios del inicio del rock argentino.

Hacia 1973 la banda Contraluz combinó el rock con matices progresivos y folk. Este sería uno de los grupos más influyentes en los años previos al estallido del rock progresivo y sinfónico. Tal vez el primer gran grupo sinfónico/progresivo fue Crucis. Su música atrajo seguidores en la escena underground, para luego comenzar a tocar en lugares más grandes.

Hacia 1975 su música comenzó a tener más éxito, al punto de que el mismo Charly fue a ver uno de sus conciertos para «comprobar su perfomance», ofreciéndose posteriormente a producir su primer álbum. La banda Espíritu formada en 1973 fue un grupo seguido internacionalmente en la última parte del apogeo del rock sinfónico.

Su primer disco Crisálida, es citado como su mejor álbum. La banda El Reloj, proveniente del heavy metal, exploro el rock progresivo con su disco homónimo de 1975. En 1976 la banda sinfónica Alas salto a la fama, con artistas como Rodolfo Mederos, Gustavo Moretto, Carlos Riganti y Pedro Aznar en su formación.

Luis Alberto Spinetta encabezó su tercera banda Invisible, en ese año. El power trío de hard rock progresivo se convertiría en un cuarteto para su último disco, orientado más hacia la canción y con matices de música autóctona (como la presencia de un bandoneón), convencería al público y a la crítica.

• Reino de Munt, otra banda de rock progresivo, contaría con Raúl Porchetto y un joven Alejandro Lerner.
• En sus filas.
• Charly García formó La Máquina de Hacer Pájaros, su primera banda post-Sui Generis, otro claro exponente de rock progresivo.
• En esa época se formaron otros grupos sinfónicos y progresivos como Tórax, Ave Rock, Anacrusa y Materia Gris.

En este contexto, Arco Iris continuó expandiendo su folk/rock jazzero-progresivo. Junto con Contraluz sería el mayor exponente del subgénero. El 24 de marzo de 1976 el gobierno democrático fue desplazado por un gobierno militar, abriendo uno de los períodos más obscuros de la historia argentina, marcado por la represión, censura y desapariciones.

• El rock argentino, al igual que la sociedad en su totalidad, sufrió el período de mayor censura de su historia.
• El rock era visto como algo subversivo por los militares, y en un discurso de 1976 el almirante Massera denunció a los músicos de rock y a sus fans como potenciales subversivos.
• Antes del fin de la década el rock se popularizó en la escena underground.

A pesar de esto, la música continuaría su desarrollo. Los heavies de Vox Dei y Pappo’s Blues mantuvieron su popularidad. Otra banda heavy, Plus, hizo su debut en 1976 y disfrutó del éxito hacia fines de la década. Fines de los años 1970 El rock argentino continuó con su sonido sinfónico durante el fin de la década; sin embargo, los años 1977 y 1978 estuvieron marcados por la separación de varias bandas.

En la cúspide del rock progresivo, Crucis y Espíritu se convirtieron en los dos grupos más conocidos del período. La Máquina de Hacer Pájaros también contó con popularidad, siendo su primer disco un gran ejemplo del rock progresivo de la época. En 1977 Crucis se separó, al igual que Pappo’s Blues. Aquelarre retornó de España, pero luego de una gira se separaría.

Sin embargo, 1977 sería el año en que una banda de La Plata llamada Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota comenzaría a tocar. Con su particular rock y los extraños atuendos con los que se presentaban a tocar, los “Redondos” se convertirían con el paso del tiempo en una de las bandas más importantes del rock argentino moderno, convocando masas y ganándose un lugar junto a las otras grandes bandas del rock nacional.

En 1977 apareció Orion’s Beethoven, una banda de rock progresivo encabezada por los hermanos Ronán y Adrián Bar; venían tocando desde 1969, teniendo su momento de fama ocho años después y Soluna (segundo grupo de Gustavo Santaolalla), que si bien con la grabación de su único disco, Energía Natural (con participación de Charly en los teclados), no logró gran éxito comercial, sí se ganó la aprobación de la crítica.30 Ninguna de estas bandas logró mantener su popularidad y Soluna se disolvió en 1977.

A fines de la década se disolvieron más grupos: luego de dos exitosos álbumes, el grupo de Charly García, La Máquina de Hacer Pájaros, se separó, al igual que Invisible. Pastoral, era uno de los pocos grupos acústicos que todavía seguían activos, pero se separaría en 1978, al igual que ALAS.

El rock argentino sufrió una de las peores crisis desde su concepción y los medios hablaban abiertamente de la muerte del rock nacional. Sin embargo, durante ese periodo de “sequía” de 1978 el rock argentino fue testigo de la aparición de la primera “superbanda” exitosa: Serú Girán. Serú Girán Serú Girán, 1979.

Los músicos Charly García, Oscar Moro, David Lebón y Pedro Aznar lograron con Serú Girán cosechar una gran popularidad con su propio estilo de rock, llegando al público de las clases bajas tanto como a los de los sectores medios-altos. En parte debido a que el grupo vivió por tres meses en el nordeste de Brasil, el primer álbum de la banda estuvo claramente influenciado por la música brasileña, combinada con el rock progresivo y el jazz.

Pero en el primer concierto de la banda para promocionar el disco se dio una de las anécdotas más extrañas del rock argentino: en el show, los fans no entendieron los extraños trajes que la banda usaba (completamente blancos, excepto por Charly, que estaba con una chaqueta negra y zapatos); y luego cuando el grupo tocó “Disco Shock”, una sátira de la música disco, la respuesta de la gente fue muy negativa, llegando a silbar y abuchear al grupo.

Con los fans clamando por canciones de Sui Generis. La gente no entendió el mensaje y circularon toda clase de rumores acerca de la orientación sexual de los miembros de la banda. Serú Girán lanzó su segundo disco, intitulado La Grasa de las Capitales en 1979.

El álbum fue bien recibido por la prensa especializada y cimentaría su lugar como la mejor banda de la época. El tercer disco del grupo, Bicicleta (1980), fue recibido tibiamente al principio, pero con el tiempo se ganaría el lugar de mejor álbum del grupo. Ambos álbumes se van alejando del rock sinfónico del primer LP, mientras que el panorama musical en general se vuelve más visceral y “simple”, con menos arreglos.

Serú Girán no se mantendría al margen de estos cambios, mientras el rock argentino escribía los capítulos finales del rock sinfónico y progresivo. Guerra y vientos de cambio Vox Dei, durante 2007. La nación todavía se encontraba bajo control militar hacia comienzos de los años 1980.

1. El inicio de la década mostraba a un Serú Girán con un sonido menos pretencioso, pero que seguía en lo más alto de las listas.
2. Vox Dei entró en su tercera década de existencia y la popularidad de León Gieco como solista seguía creciendo.
3. Una de las últimas bandas importantes del período del rock progresivo fue Tantor, un grupo más alejado del rock sinfónico y más experimental y progresivo, con influencias de jazz.

Su primer álbum sería un éxito en la escena progre y la banda continuaría hasta mediados de la década, siendo una de las últimas bandas de esta etapa. Serú Girán se fue de gira a Brasil en 1980, donde la recepción que tuvieron fue tan positiva que los organizadores les pidieron para tocar otra vez al día siguiente, pero junto con el grupo de jazz-rock Weather Report, entre otros.

1. Posteriormente, en Buenos Aires, tocaron en La Rural, juntando aproximadamente 60.000 personas y coreando “No se banca más”, en alusión al gobierno militar.
2. También tocaron junto al proyecto de Spinetta: Spinetta Jade.
3. Este nuevo proyecto de Spinetta era una especie de combinación entre jazz y rock, bastante infrecuente en el país en ese momento.

Hacia los dos últimos álbumes su sonido se fue haciendo algo más pop y con más influencias de la música electrónica (utilizando samplers y sintetizadores). Serú Girán lanzó su cuarto álbum, Peperina en 1981, pero a finales del año Pedro Aznar decidió unirse al Pat Metheny Group en los Estados Unidos.

1. El 6 y 7 de marzo de 1982, Serú Girán tocó por última vez en el Luna Park.
2. Un momento muy recordado fue la primera y única interpretación de la canción “No llores por mi Argentina” (sin relación con el musical Evita).
3. Mientras tanto en la escena under tomo destacada relevancia el grupo Arsis con un estilo más pesado pero elaborado, fusionando ritmos e influencias tanto clásicas como del blues, rock y folklore local.

Desde sus inicios Arsis realizó numerosos recitales y comenzó a participar en diversos festivales compartiendo escenario, entre otros, con Litto Nebbia, integrantes de Vox Dei, Los Jaivas, logrando gran aceptación del público. Pero fue a partir del lanzamiento de su sencillo “Alborada” en diciembre de 1981 el grupo tuvo una mayor y destacada repercusión.

• Aunque Arsis agoto sus dos ediciones del disco simple, fortalecidos por la convocatoria que lograban en sus recitales, rechazo propuestas de compañías y productores discográficos eligiendo definitivamente su rol de banda independiente y subterranea.
• A comienzos de 1982, Gustavo Santaolalla lanzó un álbum renovador titulado precisamente Santaolalla, acompañado por una banda integrada por Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Alejandro Lerner (teclados), Rubén Rada (congas), Oscar Kreimer (saxo), Osqui Amante (percusión) y Mónica Campins (coros).

El álbum ha sido considerado «el primer disco de rock moderno de la Argentina». Nuevo rock nacional (1983-1991) Final de la dictadura León Gieco, uno de los músicos censurados durante la última dictadura militar argentina. La guerra de Malvinas se convertiría en uno de los capítulos más oscuros de la historia argentina reciente, sin embargo tuvo el paradójico efecto de revitalizar el rock argentino.

1. Mientras la contienda se desarrollaba, se prohibió la música en ingles, lo que dio aún un mayor impulso a la música en castellano.
2. En mayo de 1982 el Festival de la Solidaridad Latinoamericana juntó a todas las grandes bandas del rock argentino.
3. El recital tuvo el objetivo de apoyar a las tropas que luchaban en las islas, aunque era también una forma encubierta de protesta contra la guerra y un llamado a la paz.

Paralelamente, el rock en inglés era censurado en la radios y los programadores debían llenar el espacio que dejaba el rock en inglés con rock argentino. En los últimos días del rock sinfónico, un gran número de bandas influenciadas por los últimos géneros musicales mundiales post-punk y new wave comenzaron a aparecer.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota fue ganando escala nacional a partir de su política de independencia frente a las empresas discográficas y sus particulares letras. En 1979, en La Plata, Federico Moura formó una banda pionera del género new wave llamada Virus. Mientras tanto, aparecieron las primeras influencias de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico en el continente; Pappo, influenciado por este nuevo género -desde donde surgían bandas como Black Sabbath o Judas Priest- luego de su viaje a Europa, fundó Riff, que si bien adoptaba la estética del metalero -basado en la estética de personajes del metal, ya leyendas del mismo, como Rob Halford- su sonido es a veces mas comparado al del Hard Rock que al del propio Heavy Metal.

Para ese entonces V8 fundada por Ricardo Iorio alrededor de 1979, sería la que definiría al Heavy Metal en Argentina, principalmente para el comienzo ya de los años 1981-1982 y finales de la Dictadura. En Buenos Aires, tres jóvenes influenciados por el post-punk inglés comenzaron a intercambiar ideas, armando una banda con el nombre de Soda Stereo, que se convertiría en la banda más popular del rock iberoamericano.

1. En ese tiempo el circuito del Café Einstein le da espacio al punk y dark rock, presentando grupos como Los Violadores, Sissi Hansen y Geniol con Coca, entre otros.
2. Andrés Calamaro, ex vocalista e integrante de Los Abuelos de la Nada.
3. En 1980 apareció una de las primeras bandas de punk rock en Argentina, Los Violadores (aunque ya existían bandas del género como Los Barajas), se toma a los Violadores por ser los primeros en editar un álbum.

Miguel Abuelo retornó de Europa y formó Los Abuelos de la Nada, que contaría con un joven Andrés Calamaro. Los Abuelos marcarían el comienzo del estilo pop-rock, incorporando de la mano de las composiciones de Calamaro, sonidos más modernos y bailables que robaban la atención de los jóvenes de entonces.

Se convirtieron en la banda más exitosa de aquel momento. En 1981, Miguel Mateos, luego de hablar con Freddie Mercury, ganó la oportunidad de telonear a Queen en su show en Buenos Aires, con su banda Zas. Rock y humor post dictadura También aparecieron una serie de bandas más enfocadas en el aspecto “humorístico” de la música, como Los Twist, Suéter y las Viuda e hijas de Roque Enroll.

Los Twist interrumpieron en la escena con canciones de contenido político, pero con toques de humor como Pensé que se trataba de cieguitos y Tomá, mataté. Viuda e hijas de Roque Enroll (primer grupo de rock formado exclusivamente por mujeres) llenaron las radios con éxitos como: Lollypop, La silicona no perdona y Las familias argentinas, en donde introducen canciones con ritmos bailables.

Suéter por su parte también tendría su lado cómico con letras bailables como Mamá planchame la camisa, Métodos y Ciudadano ilustre. Pero a diferencias de las dos primeras agrupaciones se caracterizaron por su lado serio y llegaron a lo más alto rock pop de la década con temas como Amanece en la ruta, Vía México y Él anda diciendo.

Paralelamente, Almendra y Manal se volvieron a juntar. Charly García y Luis Alberto Spinetta continuaron con sus carreras solistas y Moris retornaría de España. Argentina entró en 1983 en una nueva etapa de su historia, con la inauguración del gobierno democrático de Raúl Alfonsín.

Entrar en democracia significó la desaparición del aparato represivo y de censura del gobierno militar, por lo cual la libertad de expresión volvió a florecer. Las canciones que criticaban al gobierno militar se multiplicaron, algunas con letras alegóricas, como «Tiempos Difíciles» de Fito Páez (cantada por Baglietto), «Maribel se durmió» de Spinetta (dedicada a las Madres de Plaza de Mayo39 ), «Puede verme» y «Ángel del pasado» de Ignacio Copani,«Sólo le pido a Dios» de León Gieco o «Los dinosaurios» de Charly García.

Críticas más directas contra el gobierno militar provinieron de bandas punk como Los Violadores (con canciones como «Represión») y de Heavy Metal como V8. Finalmente, sectores del rock nacional comenzaron a pasar del sonido “solemne” y progresivo del rock sinfónico a una música más irreverente y accesible, lo cual ayudaría al rock nacional a expandirse en el exterior.

1. Invasiones argentinas Virus, de la ciudad de La Plata.
2. En 1982 Omar Chabán abrió el café Einstein, por donde tocaron en sus comienzos bandas como Sumo, Soda Stereo y Los Twist, y performances como las de las Bay Biscuit y Geniol con Coca.
3. Sumo contaba con una formación ligeramente diferente en sus primeros días, en la batería se desempeñaba la británica Stephanie Nuttal, quien debió volver a su país natal luego del estallido de la Guerra de las Malvinas.

También en 1982 Charly García lanzó su disco debut como solista: Yendo de la cama al living. En 1984 Patricia Sosa y su banda de heavy La Torre fueron votados como banda del año, Del 63 de Fito Páez como disco del año y el single «Solo quiero rock and roll» como la canción del año.

A otra banda con una chica en la voz, Los Twist, también les estaba yendo bien, pero sufrió un gran golpe con la partida de Fabiana Cantilo. Ésta a su vez lanzó su primer álbum solista titulado Detectives que contó con la producción de Charly García. Músicos de la talla de Fito Páez, Luis Alberto Spinetta y León Gieco participaron en la grabación.

El disco fue presentado un año después debido a la internación de Fabiana por motivos de adicción y no haber dormido durante varios días. Hacia 1985, año en que se formó Los Fabulosos Cadillacs, varias bandas nacionales comenzaron a recibir atención por parte de radios latinoamericanas.

El rock nacional comenzó a “escalar” los Andes: primero Chile, luego Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, etc. Zeta Bosio, de Soda Stereo, comentó acerca del fenómeno: «Nosotros salimos de Argentina y empezamos a ir a Chile, a Perú, empezamos a subir y en algunos países daba la casualidad de que llegábamos nosotros y nunca había ido una banda de Rock.

nos decían que acá eso era una cosa del otro mundo y no iba a funcionar. ahora es una alegría ver que funciona y que tiene fuerza propia.» Muchos de los rockeros argentinos firman con las transnacionales y esto les garantiza distribución latinoamericana.

1. A fines de ese año se produce la separación de los Abuelos de La Nada, y comienzan a ganar popularidad grupos con más estética en la imagen, como Soda Stereo.
2. Soda Stereo Soda Stereo es una de las bandas más exitosas e influyentes del rock en castellano.
3. En sus comienzos, la banda estuvo influenciada por bandas de new wave como The Police (generalmente se los conoce como los “Police argentinos”) y Talking Heads.

Con su primer álbum, intitulado simplemente Soda Stereo (1984), lograron el éxito nacional; sin embargo, se los acusó de frívolos, al igual que a Virus. Su segundo disco, Nada Personal, fortaleció la popularidad de la banda, con hits como «Nada personal» y «Cuando pase el temblor», abriéndoles las puertas al mercado latinoamericano.

1. En 1986 Soda Stereo lanzó Signos, que consagraría su popularidad con éxitos como «Persiana americana».
2. Los miembros se embarcaron en una gira latinoamericana y grabaron el álbum en vivo Ruido Blanco.
3. Con la gira de Signos, los Soda Stereo se convirtieron en estrellas internacionales.
4. El grupo continuaría con su éxito hasta su separación, y luego de esta se convertiría en una banda mítica del rock argentino.

En 1985 hizo su debut discográfico la banda under Sumo, tras haber sido vistos en vivo por un productor de la CBS. La placa se llamó “Divididos por la felicidad”, en referencia a uno de los grupos preferidos de Luca, Joy Division. Este primer trabajo vendió 15.000 copias e incluyó el hit «La rubia tarada» (titulado originalmente «Una noche en New York City»), así como «Mejor no hablar de ciertas cosas» con letra del Indio Solari, cantante de los Redonditos de Ricota.

Los Fabulosos Cadillacs. La pequeña onda se convirtió en una ola hacia 1986, y para comienzos de ese año se convirtió en un fenómeno continental, alcanzando América Central, México y cruzando el atlántico hacia España. Los Enanitos Verdes con su pop-rock enérgico lograron un gran éxito. Los Fabulosos Cadillacs, con su mezcla de ritmos latinos, ska y rock se convirtieron en estrellas en su país y eventualmente en Latinoamérica.1986 fue el clímax de una ola de inesperado éxito para el rock argentino.

Sissi Hansen, desde el under, llega al Perú, donde consigue tres hits con su primer disco Mi Religión (Producido por Stuka). Este movimiento ayudó a revitalizar al rock mexicano y español ya qué le probaría a los productores y sellos discográficos de esos países que el rock en castellano funcionaba y servía para hacer dinero.

• En México, las bandas argentinas eran promocionadas por medios como Televisa bajo la frase “Rock en tu idioma”.
• En Perú, las invasiones argentinas fueron un catalizador que llevó al rock peruano hacia un público aun mayor, convirtiéndose en mainstream.
• En Chile, donde ya existían algunas bandas (como Los Prisioneros), la ola de bandas argentinas inspiraría e influiría a las bandas locales, hasta el día de hoy.

El estallido del rock colombiano se puede rastrear hasta los años ‘80, con muchas bandas locales citando bandas argentinas como influencias directas.1988 comenzó con las agrupaciones argentinas más importantes (Soda Stereo, Los Enanitos Verdes, Charly García, Miguel Mateos, GIT, Virus) girando por América, Europa y hasta países de Asia.

• Ya por este tiempo, la ola de bandas argentinas comenzó a “apaciguarse”, pero su legado dejaría las puertas abiertas del rock argentino al éxito masivo.
• También siguieron por la carretera del rock otras personalidades importantes, pero menos exitosas como es el caso de Fito Páez y Andrés Calamaro quien ya había grabado dos discos solistas muy buenos, pero poco aclamados por la popularidad.

Fines de los ‘80 Luca Prodan, líder de Sumo. En 1987 se produjo la muerte de otro grande del rock nacional: Luca Prodan, líder de Sumo, fue encontrado muerto el 22 de diciembre en su habitación, víctima de una cirrosis hepática. Su fallecimiento provocó conmoción entre sus fans y en la escena del rock nacional.

Luego de la muerte de Prodan, Sumo se separaría y sus miembros formarían dos nuevas bandas, Divididos (con Ricardo Mollo y Diego Arnedo) y Las Pelotas (con Germán Daffunchio, Alejandro Sokol y Alberto Troglio). De las dos, Divididos lograría mayor éxito comercial, contando con un sonido potente y ganándose el apodo de “La aplanadora del rock”.

Las Pelotas, por otra parte, contaría con un éxito comercial más moderado, y transformándose en una banda más underground. En 1988 Fricción editaría su último álbum Para terminar dándole un cierre a la etapa post-punk del rock argentino El rock nacional perdería otro prócer: Miguel Abuelo, fundador de Los Abuelos de la Nada, fue diagnosticado de sida.

Murió el 26 de marzo de 1988 de un paro cardíaco. El líder de Virus, Federico Moura, también fue notificado de tener SIDA. Moura murió el 21 de diciembre de 1988, justo un día antes de cumplirse el primer aniversario de la muerte de Prodan. Sin embargo, Virus sobrevivió a la muerte de su líder, continuando en los ‘90 como una banda de pop-rock con influencias del Synthpop y el electro-pop.

Tres tendencias principales definieron el rock argentino a fines de los ‘80. La primera fue la consolidación de las bandas de las “invasiones argentinas” y su paso a una etapa de mayor madurez. Algunas comenzaron a experimentar con la World music en los dos últimos años de los ‘80.

1. Por ejemplo, Charly García se reunió con su viejo compañero de Serú Girán, Pedro Aznar y grabaron Tango 4.
2. Antes de la muerte de Moura, Virus también había comenzado a experimentar con la música brasileña para su álbum Superficies de placer.
3. El Indio Solari, con bigotes y barba, en los tiempos de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Los finales de los ‘80 también fue un período de constante crecimiento para Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Su popularidad aumentaba e iban camino a convertirse en un clásico del rock argentino moderno, reuniendo masas de seguidores y ganándose la posición de banda de culto para sus fans y la prensa.

1. También fueron conocidos por mantener una postura indie con respecto al negocio de la música.
2. Sin embargo, un aspecto polémico de la banda fueron sus recitales de finales de los ’90, conocidos por ciertos episodios de violencia que culminaron con las muertes de varios fans.
3. En 1985 editaron su primer disco Gulp!, con la participación del pianista Lito Vitale.

El tránsito a la escena musical establecida implicó también el abandono del estilo circense original y la consolidación de un estilo más convencional de espectáculo de rock; de esta época data la máxima de tocar ‘solos y de noche’, con la que Solari justificó su reiterada negativa a presentarse en festivales.

También fue durante este período cuando Ratones Paranoicos empezaron a crear el subgénero “rolinga”, “rock chabón” o “rock barrial”. El subgénero rolinga tiene como principal influencia a los The Rolling Stones, una de las bandas extranjeras más populares en la Argentina y formadora de todo un culto.

En el año 1988 se formó el grupo La Renga (aunque su primer disco se lanzó en 1991), que tendría éxito masivo a partir de fines de la década del ’90. En el año 1989 La Torre regresa de una exitosa gira internacional por la Unión Sovietica y otros países, de regreso en Argentina Patricia Sosa abandona el grupo para comenzar su carrera como Solista.

Con la perdida de su vocalista esta banda, consagrada, se disuelve. Finalmente, Divididos, con su potente sonido de guitarras y su “noise melódico” seguía aumentando su popularidad entre el público. En general, los años ‘80 cerraban como una de las mejores décadas para el rock argentino, con grandes bandas ya consagradas a escala nacional e internacional, una saludable escena underground, y una búsqueda y experimentación a todos los niveles.1991-1998: el período contemporáneo Canción animal Luego de lanzar el LP Doble vida, que ya mostraba un sonido más rockero, Soda Stereo se instaló en el estudio junto a su nuevo productor Daniel Melero, para grabar su quinto LP, Canción animal.

Este álbum provocó un gran impacto en el rock nacional y latino, siendo considerado como el segundo mejor álbum de la historia del rock iberoamericano alternativo, según el ránking realizado en 2006 por J.L. Mercado y publicado por la revista norteamericana Al Borde y el noveno según la revista Rolling Stone.

• La canción más destacada del álbum, «De música ligera», ha sido considerada como la cuarta mejor canción del rock latino en el ránking de Satélite Musical, mientras que en Argentina es considerado también como la cuarta mejor por el sitio Rock.com.ar.
• La Avenida 9 de Julio, en Buenos Aires.
• Allí Soda Stereo realizó un histórico recital gratuito para presentar su disco Canción Animal, ante 250.000 personas, el 14 de diciembre de 1991; la mayor cantidad jamás reunida en el país para escuchar música.

Canción animal confirmó que estaba bien que el rock argentino volviera a una actitud más “potente”, siendo las guitarras eléctricas las estrellas del show. De ese álbum, el sencillo «De música ligera» se convirtió en un clásico del rock nacional. Canción animal permitió que bandas como Los Brujos, Peligrosos Gorriones y Massacre lograran salir del underground, tomando su sonido fuertemente guitarrero y haciéndolo popular a medida que comenzaba 1991.

1. Hasta grupos de pop-rock como Los Enanitos Verdes tomaron estas influencias hacia principios de los 1990, particularmente en su álbum Big Bang.
2. Estas y otras bandas como Todos Tus Muertos y Babasónicos fueron denominadas como el “Nuevo rock argentino”.
3. Un término que fue usado poco después para bandas difíciles de catalogar como el neo-surf pop de los Super Ratones (de Mar del Plata) y el pop alternativo de la La Portuaria.

El “Nuevo Rock” fue la forma dominante en el panorama musical de la Argentina hasta mediados de los años 1990, cuando lo desplazó el “rock suburbano”. En 1992 Soda Stereo presentó su sexto disco, Dynamo, uno de sus álbumes más experimentales hasta ese momento.

• El álbum tomó a los fans por sorpresa, y fue el menos vendido de los discos del grupo (tampoco ayudó que en el medio de todo esto la banda cambió de compañía discográfica: Sony no promocionaría a una banda que se iba y BMG no promocionaría el álbum de otra compañía).
• Una banda que logró en 1992 su primer gran éxito fue Babasónicos, que lanzó en ese año el hit «D-Generación», a partir del cual comenzó a recorrer el camino que los llevaría a la cima del rock nacional y que definiría el sonido del rock “sónico”.

Juana La Loca era otra banda de la autodenominada escena sónica, qué comenzó a tocar a principios de los años 1990 pero que se hizo famosa unos años después. Los Brujos también tuvieron un buen año en 1992, con su sencillo «Kanishka» se convirtió en todo un éxito.

• Los Visitantes igualaron el éxito de Los Brujos al año siguiente con su disco Salud Universal, una combinación de rock guitarrero y tango.
• Todos Tus Muertos era una respuesta punk al rock argentino de finales de los años 1980, eligiendo ser mucho más directos y explícitos en su sonido y en sus letras.

La banda ganó gran popularidad con la aparición del nuevo rock, y se convirtió en una de las favoritas de esos tiempos. Lentamente el grupo pasaría de su sonido punk inicial a un estilo más heterogéneo que incluía ritmos afro-latinos. Otra de las bandas importantes que surgiría en los años 1990 serían Los Caballeros de la Quema.

También a principios de la década de 1990 surge El Otro Yo una banda de Temperley que de manera lograría salir del under para convertirse poco a poco en la insignia del rock alternativo. Un grupo “raro” apareció a comienzos de los años 1990 fueron los llamados Illya Kuryaki and the Valderramas (aunque también se los conoce como los Illya kuryaki).

Más raperos que rockeros, el grupo logró dejar su marca en la escena del rock nacional, ya que combinó el rap con el rock nacional y los ritmos latinos. Dante, uno de sus miembros, es el hijo de Luis Alberto Spinetta. Rock Rolinga Antecedentes y nacimiento Un padre y su hijo rolinga.

1. El rock rolinga en 1995 se convirtió en un éxito comercial masivo.
2. A mediados de los años 1990, aunque el “nuevo rock argentino” crecía, lo hacía de manera lenta y progresiva.
3. Aún no había logrado desarrollarse por completo.
4. Ninguna banda perteneciente a ese movimiento había alcanzado aún un seguimiento masivo del público como las del pop de los años 1980.

Su música, intelectual en algunos casos (y que precisaba varias lecturas para su comprensión y gusto, por lo que distaba de ser demagógica), también estaba desarrollándose. A causa de estos factores, el movimiento era muy vulnerable a la aparición de un nuevo fenómeno musical que fuera simple y accesible para el público más marginal.

Cuando el rock argentino nació, era una subcultura marginal. El rock pesado de principios de los años 1970 también era una subcultura marginal, aunque en casos como la obra de Pappo (influencia en el rock barrial), poseía letras que trataban temas de la vida cotidiana en barrios y suburbios. Sumado a esto, sus recitales también eran dados en pequeños bares y pubs de distintos barrios de clase media baja de Buenos Aires, mostrando un caso del underground con inspiración barrial.

Hasta los años 1990 este estilo sería underground. A partir de los años 1990, se volvería masivo.En los que se encontraban en la banda eran:Ricardo, Osvaldo, Roberto y Patricio. Ellos eran una banda que se mufo en los años 1980. Desde los años 1980, paralelamente al apogeo del pop rock, hubo bandas que, desde un punto marginal, crecieron realizando una serie de actos propios de las bandas under.

1. A principios de dicha época la Argentina experimentó una “primer época dorada del heavy metal”, con toda una corriente de bandas under metaleras lideradas por V8.
2. Mientras tanto, otras bandas como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y Sumo habían crecido ejerciendo un estilo de rock que desembocaría directamente en el rock rolinga.

El libro Historia del rock argentino de 1986, de Osvaldo Marzullo y Pancho Muñoz, había clasificado a ambas bandas como “rock marginal”. Otras de las características que según el libro, se destacaba de ambas, eran su crecimiento a pesar de la falta de apoyo de producción, la capacidad para haberse “hecho desde abajo”, y convirtiéndose en representantes del circuito underground.

1. Estas características serían influencias en el rock rolinga, aunque también influenciaron notablemente a otros géneros, como el punk local.
2. El caso de Ratones Paranoicos fue más directo.
3. Formados en 1984, ellos también habían sido clasificados como parte del “rock marginal” en dicho libro al igual que como una banda underground.

El libro mencionaba que: “tuvieron varios cambios en su formación, en tanto su nombre aparecía pintado en infinidad de paredes de Buenos Aires”. Sin embargo, ellos desde el principio tocaban un estilo de rock imitando a los The Rolling Stones. En 1988 se formaron Los Piojos, en 1989 se formaría Viejas Locas en 1993, Jóvenes Pordioserosy en 1996 se daria a conocer LA 25 en un bar.

Estas bandas serían los principales exponentes del género que, con ayuda de la banda que buscaban imitar, llevarían al éxito masivo en la Argentina. En 1987, el pop rock, reinante en la Argentina, comenzó a perder peso frente a la escena “marginal”. Varios factores: el éxito de Sumo y de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, sumadas a la visita de Ramones a la Argentina, la resucitación del punk local a causa de esa visita (formando bandas insignia como Attaque 77 y 2 Minutos), la popularización del ska con bandas como Los Auténticos Decadentes y Los Fabulosos Cadillacs, y el cambio en la temática del mismo pop rock con los discos de Virus y Soda Stereo.

La muerte de Luca Prodan, líder de Sumo, avivaría la llama del rock marginal. Además, habían causas extramusicales: la pobreza en la Argentina, la decadencia institucional y moral que experimentó el país durante el gobierno de Carlos Saul Menem y el crecimiento desde mediados de los años 1980 de las “barra bravas” del fútbol.

Apogeo y definición Desde comienzos de la década de 1980,. la identificación con The Rolling Stones, o el blues generó un estilo de consumo entre los jóvenes de los sectores medios suburbanos conocidos como “stones”. En 1995 The Rolling Stones llegaron a la Argentina como parte de su Voodoo Lounge Tour.

Eligieron como teloneros a Ratones Paranoicos y a Viejas Locas. La transformación de la sociedad argentina, la polarización social que se veía reflejada en los consumos musicales de los jóvenes tuvo visibilidad pública por la promoción mediática de un estilo recreado durante la última década del siglo.

Su influencia quedó plasmada en el rock local, formando el rock rolinga o stone, género que acaparó la atención de un público generacionalmente más joven, obteniendo éxito comercial y masivo. En su definición más simple, el rock rolinga es “franco”, simple y centrado en las guitarras, con influencias del blues y de The Rolling Stones, de donde saca su nombre.

El calificativo de “barrial” toma su nombre del hecho de que las bandas que lo forman provienen de los distintos barrios y suburbios de clase media empobrecida o del interior del país. La polarización social y el clasismo con un tono racista de una sociedad cada vez más desigual social y culturalemente, ha generado que estos estilos musicales de los jóvenes sean fuertemente estigmatizados por un sector de las clases medias urbanas; el hecho de que se lo califique de “rock chabón” corresponde a que sus seguidores son mayoritariamente jóvenes (chabones en el lunfardo).

1. Repercusión y críticas En paralelo, se difunden ampliamante bandas compuestas por generaciones más jóvenes.
2. El llamado “rock rolinga” indirectamente contribuyó al despegue de bandas argentinas de blues que hasta ese entonces se habían mantenido en un circuito reducido.
3. Entre ellos Memphis La Blusera y La Mississippi.

Bandas muy diferentes como Caballeros de la Quema, Ataque 77 y 2 minutos obtienen cierto éxito identificados con una estética de la simplicidad y lo barrial. El llamado rock rolinga influenció estilos mixtos con el reggae que algunos medios llamaron “reggae stone”.

A fines de los años 1990 el rock rolinga era calificado por la prensa de distintas formas, había sido calificado por la revista Rolling Stone (edición de Argentina), al cubrir un show de Los Piojos como un género que llegaría a fines de siglo como el único fenómeno musical que acaparara la atención, aunque en la misma revista en la crítica del disco No Security de la banda de Mick Jagger.

Por lo que el rock rolinga, si bien gozó de un éxito rotundo, ya desde sus inicios fue criticado por un gran sector de la sociedad y de los músicos de la época.

¿Cuáles son las características del rock?

Características musicales del rock and roll –

Uso de la escala pentatónica y de la escala del blues;Formato esencial: cantante, guitarra eléctrica, batería y bajo eléctrico;Aprovechamiento de los recursos de amplificación sonora a la máxima potencia;Marcada acentuación rítmica;Uso de efectos de distorsión;Uso frecuente de la síncopa;Canciones estructuradas en estrofa/coro, intercaladas por solos o improvisaciones.

¿Quién es el rey del rock argentino?

Charly García, el rey del rock argentino, cumple 70 años.

¿Quién canta rock nacional argentino?

10 mujeres del rock nacional que hacen historia En el marco del Día Mundial del Rock, un género musical que despierta pasiones en los argentinos, repasamos a algunas de las mujeres más icónicas de esta escena a nivel nacional. El 13 de Julio es el Día Mundial del Rock, un género musical disruptivo para el momento en el que nació, y que estuvo marcado por la denuncia de las injusticias sociales.

1. En la Argentina, fue clave para hacer críticas sobre temas que nos afectaban a todos los argentinos (y aún lo hacen), como la economía, la dictadura, la desigualdad social y muchos más.
2. Charly García, Luis Alberto Spinetta, Soda Stereo, Fito Páez y Serú Girán son sólo algunos exponentes de este mundo que más huellas dejaron en la historia del rock nacional.Sin embargo, cuando se habla de rock argentino, lo primero que se le viene a la cabeza son todos artistas hombres.

¿Y las mujeres? Si bien no están visibilizadas por completo, el colectivo de mujeres del rock argentina es mucho más amplio de lo que se cree. Es por eso que en el Día Mundial del Rock, desde Escritura Crónica queremos hacer un repaso por 10 mujeres que hicieron historia en el rock nacional (¡y son sólo una muestra mínima de todas las artistas que la rompen!) 1 – Cristina Plate La actriz y cantante fue la primera mujer en grabar sus canciones en lo que se conoce como el rock nacional.

• Lo hizo en 1968, sin embargo su música novedosa e inusual para la época no fue suficiente para destacar en un ambiente monopolizado por los hombres.
• Aún así, Cristina pudo grabar dos simples, participar de una película y salir de gira por el país.
• Finalmente, en la década del 70 se exilió en Italia, donde vive hasta hoy en día.2 – Fabiana Cantilo La cantautora es considerada la gran voz femenina del rock.

Multidisciplinaria como ella sola (cantante, bailarina, actriz, pintora y escultora) lleva vendidos hasta hoy más de 6 millones de discos. Formó parte temporalmente del grupo Los Twist junto a Pipo Cipolatti, y grabó voces para el primer disco solista de Charly García.

• Fabiana Cantilo cantó con leyendas de la música argentina: Andrés Calamaro, Fito Páez, Luis Alberto Spinetta, León Gieco, Celeste Carballo, Soda Stereo, Los Abuelos de la Nada, Los Pericos, Serú Girán, Attaque 77, Intoxicados, Virus, entre otros más.
• Luego de tantos años de carrera, sigue estando en vigencia, y lo estará por mucho tiempo más.3 – María Rosa Yorio Es una de las pioneras entre las mujeres del rock argentino.

Comenzó su carrera como corista de Sui Generis. Luego de años de trabajar con distintos artistas como PorSuiGieco y Nito Mestre, comenzó su carrera solista. Llegó a grabar seis discos durante los 80, entre ellos “Con los Ojos Cerrados”, que contó con la colaboración de Alejandro Lerner.

María Rosa fue una de las mujeres que allanaron el rumbo para las próximas voces femeninas dentro del rock argentino.4 – Eruca Sativa Acá te traemos dos artistas, que forman parte del grupo cordobés. Eruca Sativa está conformado por Lula Bertoldi (voz y guitarra), Brenda Martin (bajo y coros) y Gabriel Pedernera (batería y coros), y es uno de los referentes en el rock alternativo hasta la actualidad.

Su primera presentación fue en 2007 en Córdoba y grabaron su primer EP en 2018 con canciones que luego formarían parte de su primer álbum. A lo largo de sus 15 años de historia, el trío busca deconstruirse a través de su música. Han hablado de temas que nos involucran a todos: feminismo, maternidad, coyuntura social y más.5 – María José Cantilo La “aventurera del rock” falleció en mayo del 2022 a los 68 años.

• Fue una de las mujeres pioneras del rock nacional de los 80.
• Era hermana de Miguel Cantilo, integrante de Pedro y Pablo.
• La compositora y guitarrista grabó nueve discos y colaboró con artistas icónicos de la escena musical como David Lebón, León Gieco y su propio hermano.
• Fue de las primeras mujeres en participar en festivales de La Falda y en BA Rock, dando el pie sin saber a la búsqueda del cupo igualitario de hombres y mujeres en festivales musicales.

Su música tuvo una recepción moderada que le hizo pensar en cada paso que iba a dar, pero aún así siguió haciendo lo que la apasionaba.6 – Celeste Carballo La artista es considerada una de las grandes voces del rock nacional, por su potencia y su amplio registro vocal.

Comenzó su carrera en 1975 cantando blues en el grupo Alter Ego. En una de sus primeras presentaciones, acompañó a Lito Nebbia en el Festival Pan Caliente en el 82 y acompañó a Sandra Mihanovich en su primer disco. A partir de 1985 comienza otro rumbo: decide alejarse del blues, y se dedica al punk, al formar una banda de este género, que fue producida por Charly García.7 – María Gabriela Epumer La guitarrista, bajista y cantautora es recordada por haber integrado Rouge, una de las primeras bandas de rock compuesta únicamente por mujeres.

Hacían covers en inglés en los 60. Fue parte de una de las formaciones más caóticas de Charly García. Y además armó su propia banda,llamada A1. Como si fuera poco, formó parte de Viuda e Hijas de Roque Enroll, la Montecarlo Jazz Ensamble, Las Chicas y el dúo Maleta de Loca.

Lamentablemente falleció a los 39 años por un paro cardiorrespiratorio producto de un edema pulmonar, pero siempre será recordada por su enorme participación en la escena rockera nacional.8 – Sandra Mihanovich En 1981, grabó “Puerto Pollensa”, su primer disco conformado por canciones que ya había cantado con distintos músicos como Marilina Ross, Horacio Fontova, Celeste Carballo y Rubén Rada, entre otros más.

Fue la primera mujer en cantar en el estadio Obras, en 1982, con no sólo uno, sino dos shows, ya que agotó la primera fecha.10 mil personas la vieron en vivo ese año. Sandra Mihanovic lleva más de 30 años, 20 discos editados y no deja de estar vigente.

Se animó a hacer teatro y otro tipo de producciones, reinventándose año tras año.9 – Marilina Bertoldi La cantante y guitarrista de Sunchales, Santa Fe, comenzó su carrera de una manera bastante millenial: en 2009 comenzó a publicar sus videos cantando en sus redes sociales. El primer tema que publicó fue “Si No Ves” en 2010.

Formó parte de la banda Connor Questa, que luego se disolvió en 2015. Marilina fue la primera mujer del rock en recibir el Premio Gardel de Oro, ganándose así su apodo “la reina del rock”. Se presentó en Niceto Club y Luna Park. Lleva cinco discos editados como solista.

En junio de este año presentó su último álbum, “Mojigata” en el mítico estadio rockero, el Luna Park, repleto de sus fanáticos, dando así fin a una era, lista para comenzar con su próximo desafío musical.10 – Hilda Lizarazu Si bien pasó parte de su adolescencia en Nueva York, la cantautora, compositora de rock y fotógrafa correntina regresó al país en los 80.

Volvió para dedicarse a la fotografía profesionalmente, pero paralelamente comenzó su carrera musical cantando en bandas como Suéter y Los Twist. Luego pasó a ser la corista de Charly García y la cantante de Man Ray durante doce años. Además, tocó en las bandas de Gustavo Santaolalla, Celeste Carballo, Lito Vitale y León Gieco.

¿Quién se considera el creador del rock nacional argentino?

Rodolfo García, pionero del rock nacional El baterista de Almendra y Aquelarre murió a las 74 años tras haber sufrido un ACV. Otros artículos que te pueden interesar Rodolfo García nació en la Ciudad de Buenos Aires en 1946. Vecino de Belgrano, cursó la secundaria en un colegio industrial de Floresta y a los 17 años comenzó a trabajar en un taller mecánico.

¿Quién es el padre del rock argentino?

Luis Alberto Spinetta durante un ensayo en los en los Estudios Columbia Recording Studios de Nueva York City Michael Putland (Getty Images) Luis Alberto Spinetta fue un músico precoz y autodidacta influenciado por su padre, cantante aficionado de tangos, que dedicó todos sus esfuerzos al arte hasta ser considerado un polifacético, ya que fue guitarrista, cantante, compositor, dibujante, poeta, escritor y hasta un respetado intelectual.

Más información Spinetta, apodado El Flaco, destacó tanto por su música como por su voz, en ellas volcó todas las influencias que fue recibiendo de diversas ramas y personalidades como Van Gogh, Freud, Sartre, Dalí, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Castañeda, Lenon, Sagan, Beethoven y Artaud. Le gustaba la fusión del jazz con el rock y fundó numerosos grupos hasta empezar una exitosa carrera en solitario a partir de los años 80.

Su larga trayectoria, con más de 40 años sobre los escenarios le hizo ser recordado como uno de los padres del rock en español, icono del rock argentino y uno de los artistas más influyentes de Hispanoamérica en las últimas décadas del siglo pasado y primeros años del actual. El cantante argentino Luis Alberto Spinetta, durante un concierto en Santiago de Chile en abril de 2004 Anibal Pérez (EFE) Desde los 4 años cantaba tangos en las reuniones familiares y esa influencia lo acompañó en las letras toda su vida. A los 12 aprendió sus primeras lecciones de guitarra y también fue seleccionado en un concurso nacional como cantante de tangos para ir de gira, pero desistió.

1. Desde ese momento se convirtió en autodidacta.
2. Junto a sus compañeros de colegio, Luis Alberto Spinetta formó, al terminar la Secundaria con 17 años, su primera banda, Almendra.
3. Sin embargo, siempre contó que su debut artístico se produjo en 1964, en un concurso televisivo del programa Escala Musical, del Canal 13.

Gracias a estas apariciones mediáticas Luis Alberto, influenciado como casi todos en aquellos años por la beatlemanía, consiguió el dinero suficiente para comprar el álbum Beatles for sale, En 1969 su grupo Almendra sacó a la venta su primer disco, formado por temas inolvidables como Ana no duerme, Plegaria para un niño dormido y Muchacha (ojos de papel), que con el paso del tiempo se convirtieron en clásicos. Erlich En 1973 Luis Alberto Spinetta grabó otro disco como solista, Artaud, a pesar de aparecer como un álbum del grupo Pescado Rabioso, y en el que incorporó a diversos invitados, entre ellos a su hermano Gustavo Spinetta. A finales de ese año fundó una nueva banda, Invisible, con la que sacó tres discos hasta su disolución en 1976.

Tenía sólo 27 años pero ya una gran trayectoria a su espalda cuando en 1977 editó un disco junto a varios músicos en el que experimentó con el jazz-fusión. De esos años proviene su único álbum en inglés, Only love can sustain, que grabó en Estados Unidos gracias al apoyo del tenista Guillermo Vilas y del que renegó siempre por haber sido puramente comercial.

En 1980, antes de emprender su carrera en solitario, Luis Alberto Spinetta volvió a juntarse con los integrantes de Almendra y, de forma paralela, ese mismo año formó el grupo Spinetta Jade. A partir de ese momento destacaron sus trabajos en solitario como Privé, La la la (1986), T éster de violencia (1988), Exactas (1990), Piel de piel (1990) y Pelusón of milk (1991), con los que logró ser el Mejor Disco del Año tres años casi consecutivos.

En 1994 volvió a las andadas grupales al formar Luis Alberto Spinetta y los Socios del Desierto y tuvo enfrentamientos con las compañías discográficas, pero al final editó un disco doble titulado simplemente Spinetta y los socios del desierto con los temas que ya había presentado en vivo. Este trabajo, con una gráfica llamativa y de excelente calidad, triunfó y lo aupó aún más a la condición de artista.

En marzo de 1996 saldó lo que él mismo calificó como “una vieja deuda con el público”: tocar gratis y al aire libre en los bosques de Palermo. Después de unos años de silencio y tan sólo escuchar sus recopilaciones, en 2001 sacó Silver sorgo, Son años en los que Spinetta da un giro a su música, más pausada, poética y con distintos ritmos.

Así, en 2003 edita Para los árboles, en el que recurre a la preponderancia de los teclados y los pasajes instrumentales y, a su vez, coquetea con lo electrónico. El 4 de diciembre de 2009 festejó sus 40 años de trayectoria musical con un interminable concierto de cinco horas y media de duración en el estadio Vélez Sarfield de la Ciudad de Buenos Aires.

En él repasó toda su carrera, con medio centenar de canciones, y reunió a 31 músicos, todos ellos compañeros en los diversos grupos que fundó desde Almendra, como Fito Páez, David Lebón, Charly García, Ricardo Mollo, Juanse y Gustavo Cerati, entre otros.

De este recital salió La Caja de Spinetta, tres DVD, tres CD y dos libros. Las últimas fechas representativas de conciertos de Luis Alberto Spinetta, mientras ya luchaba contra el cáncer de pulmón por su adicción al tabaco, fueron en Chile en diciembre de 2010 y en el festival Cosquín Rock 2011. El Flaco hizo pública su enfermedad en diciembre de 2011 a través de una carta.

En pocas líneas contó que estaba al cuidado de su “familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país”. Más información Luis Alberto Spinetta falleció en Buenos Aries el 8 de febrero de 2012 a causa del cáncer diagnosticado en julio de 2011.

Tenía 62 años y según fuentes del círculo íntimo de la familia murió en su casa, rodeado de sus cuatro hijos, quienes días después publicaron en Twitter un mensaje de despedida: “Este es el lugar, los que quieran traerle una flor y despedirse de nuestro papá, lo pueden hacer al lado del Paseo de la Memoria, acá en la Costanera.

paz”. El mensaje estaba acompañado por una foto del lugar y llevaba la firma de los cuatro hijos, que arrojaron allí sus cenizas el 15 de febrero. Los Amigos es un disco póstumo, editado en noviembre 2015 para perpetuar las últimas grabaciones de El Flaco.

Se trata de grabaciones realizadas en el estudio en marzo de 2011 por el ingeniero Mariano López, que retomó personalmente ese material en 2015 junto a los cuatro hijos de Luis. Más información Tras su muerte comenzó un movimiento de recuperación de la obra de Luis Alberto Spinetta mediante exposiciones, homenajes y obras musicales y audiovisuales.

La Biblioteca Nacional, por ejemplo, organizó una exhibición titulada Los libros de la buena memoria, exponiendo material gráfico inédito de Spinetta y con la actuación de músicos que compartieron su obra. En 2014 se realizó el espectáculo homenaje Spinetta, tu vuelo al fin en el Centro Cultural Néstor Kirchner, y en 2015 otro en Tecnópolis, titulado Spinetta y el lenguaje del cielo,

1. Ese mismo año, 2015, la Fundación Konex le otorgó el Premio de Honor como personalidad destacada ya fallecida de la Música Popular Argentina.
2. Y más recientemente, el pasado 29 de septiembre, el canal National Geographic estrenó el tercer capítulo de la serie BIOS,
3. Vidas que marcaron la tuya, un documental basado en la vida y obra del artista argentino.

Fue tanta la influencia de Luis Alberto Spinetta que en el año 2014, como recuerdo a su figura y homenaje a su legado, Argentina trasladó el Día Nacional del Músico del mes de noviembre al 23 de enero, fecha en la que nació el polifacético artista siempre con su inconfundible guitarra roja y blanca.

¿Cómo se titula el primer tema de rock en Argentina?

50 años de ‘La balsa’, la canción que dio inicio al rock argentino https://sputniknews.lat/20170620/rock-argentino-icono-1070103751.html 50 años de ‘La balsa’, la canción que dio inicio al rock argentino 50 años de ‘La balsa’, la canción que dio inicio al rock argentino ‘La balsa’ fue grabada el 19 de junio de 1967 por Los Gatos, la banda de Litto Nebbia, y es considerada la primera canción del rock argentino.

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1. Sputnik Mundo
2. [email protected]
3. +74956456601
4. MIA „Rosiya Segodnya”

2017

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argentina ‘La balsa’ fue grabada el 19 de junio de 1967 por Los Gatos, la banda de Litto Nebbia, y es considerada la primera canción del rock argentino. La Revista Rolling Stone y la cadena MTV la consideran el mejor tema de todos los tiempos. El disco que contenía la melodía superó las 250.000 unidades vendidas, y fue furor en toda América Latina.

1. Si bien la canción ha generado polémica respecto a su autoría, Nebbia se ha encargado de explicar cómo se generó su composición.
2. Según el músico, el tema surgió una noche en el bar ‘ La Perla’ de Buenos Aires, con Tanguito.
3. El artista le pidió que lo acompañara al baño por un tema que no sabía cómo seguir, y fue Nebbia quien terminó la composición y completó la melodía.

Sobre este tiempo pionero del rock y el éxito de esta canción, conversamos con el músico Litto Nebbia. “De golpe aparecimos con un sonido personal, un formato de canción distinta, porque así es ‘La balsa’. Una manera de distinta de cantar. Todo eso llevó a que la canción se metiera como una novedad, como una nueva forma de tener una banda, de tener un grupo y tocar.

¿Por qué se dice que el rock es cultura?

Reseñas Cultura popular, identidad e historia social a través del rock en España Popular culture, identity and social history through rock music in Spain Clemente Penalva-Verdú Kiko Mora y Eduardo Viñuela Suárez (2013), Rock around Spain. Historia, industria, escenas y medios de comunicación, España: Universitat de Lleida, 263 pp. El reloj al que cantaba Bill Haley en la década de 1950 era un reloj analógico. El reloj como metáfora del rock y el rock como alegoría de la vida. La música y el baile devendrían en la actividad que en el tiempo nocturno tenía que ocupar la primera generación de jóvenes sobre la cual se estaba construyendo la cultura, los mitos, los estilos de vida y la industria del capitalismo de consumo.

En su evolución, el rock, producto de la sociedad de consumo, cantará y bailará sobre su sociedad, atravesará las diferentes facetas de su cultura popular; y con el paso del tiempo, coherente totalmente con su origen híbrido (negro blues y blanco country ), se extenderá para mezclarse con todas las sociedades y culturas (y subculturas) del planeta.

También con las ibéricas. Los textos del libro editado por Mora y Viñuelas — Rock around Spain. Historia, industria, escenas y medios de comunicación — realizan esta andadura a través de la historia del rock en España. Como en un reloj analógico, se efectúa un recorrido temporal en círculo sobre un espacio con centro en Madrid y que va marcando las diferentes escenas musicales del rock hispano.

Esta dualidad territorial —pero también cultural y sociopolítica— centro/periferia que se observa desde el análisis de los editores en las primeras páginas de la introducción, está presente en casi la totalidad de los artículos que contiene el libro. Los editores lanzan la sugerente hipótesis de que la tensión existente entre la movida pop madrileña y el resto de escenas y el rock autogestionado, como el espacio simbólico de pugna entre las fuerzas de la izquierda política en la transición hacia la democracia.

Pero no es la única que se puede observar en el libro. De la lectura del mismo se puede observar que esta dualidad se apoya sobre otras dualidades y dicotomías: influencia anglosajona/raíces locales, autoproducción/discográfica, directo/estudio, creatividad independiente/dirigida, autenticidad/pose, cultura/industria, underground /institucional.

De tal manera que ante la falta de definición de lo que es el rock —algo que en la obra sólo aparece en el capítulo de García Salueña—, el lector puede acceder a la forma a través de la cual se construye su discurso contracultural en oposición al discurso mayoritario del pop y de la industria cultural.

Así, en este sistema de discursos, ser rockero consiste más en ser libre, rebelde, crítico, marginal, minoritario, político, directo en su relación con el público, que en aplicar determinadas estructuras composicionales en cuanto a ritmo, armonía o tecnología incorporada o en adoptar diferentes formas de ejecutar los instrumentos.

Se espera que se nos permita esta paradójica definición “extramusical” por la evidente disolución musical del rock en el pop, y viceversa; y por la dudosa afirmación de la consideración de la obra artística como “auténtica” —original y que expresa cierta sensibilidad, pero sobre todo independiente en relación con las fuerzas sociales que organizan su producción (Firth, 2001)— cuando procede del rock frente a la producida por el pop comercial.

Y cumpliendo con las expectativas señaladas en la introducción, en el texto hay más genealogía que prospectiva. Un ejercicio genealógico doble: por un lado, intentar ubicar el momento fundacional del rock en España (como es el artículo de García Salueña: “El rock español desde sus inicios hasta la experimentación progresiva”) y establecer una sistemática para organizar su evolución en cuanto a antepasados y descendientes respecto a estilos e influencias a la manera de un árbol genealógico; y por otro, en un sentido más foucaultiano, relacionar discursos, prácticas culturales y vida cotidiana con el poder y el saber.

En el primer caso, podemos ver un exhaustivo trabajo descriptivo que estructura los artículos en cuatro apartados (historia, industria, escenas y medios de comunicación) para hacer posible la conexión entre los diferentes actores (artistas, instituciones, discográficas y medios), y entre éstos y su contexto territorial.

Para el segundo tenemos una mayor heterogeneidad en cuanto a la explicitación del objetivo y profundidad de análisis, si bien casi todos los artículos están atravesados por la problematización expresada en la introducción de la obra. Una de las premisas del Rock around Spain, recurrente en la mayoría de los diferentes ensayos que comprende este estudio, es la referente a la tendencia de la crítica musical de los medios convencionales y de la radio comercial a silenciar las variedades del rock frente a las propuestas musicales del pop.

Punto de partida que resulta bastante útil para poder observar las luchas sociales expresadas discursivamente a partir de los textos sonoros y visuales de la música popular urbana española. El mero hecho de interesarse académicamente por hacer emerger elementos de la cultura popular que se han intentado ocultar, silenciar, marginar ya tiene de por sí suficiente mérito en cuanto a pregunta de investigación.

Una pregunta de indudable interés sociológico. La pertinencia de este estudio se justifica, además, porque no formar parte del mainstream no es lo mismo que ser minoritario. Y es que se da el dato de que en los años ochenta el rock heavy de Barón Rojo y Obús alcanzaron un nivel de ventas superior a algunos productos exitosos del pop comercial.

• Algo similar al notable éxito en ventas (y su extensión a la actualidad con el tecno-rumba de Camela como ejemplo más evidente) de la fusión del flamenco con el pop (el llamado gipsy rock ) que aconteció en la historia musical española de los setenta y ochenta.
• Género de consumo y contenido ambientados en espacios sociales más marginales que los del rock (suburbios, cárceles) y que únicamente se cita de soslayo en el artículo relativo al rock andaluz.

No hay más que darse una vuelta por ciertas especialidades de la sociología (de la cultura, del cambio social, urbana, de la juventud, del consumo o del arte) para encontrar la importancia de las condiciones sociales que rodean la producción y circulación de la música popular; los contextos históricos que hacen posible su desarrollo y cambio, sus consumos y lecturas en el contexto de recepción, sus condicionamientos sociales y su vinculación con las estructuras de poder.

Y en ese sentido, el ejercicio analítico de situar la genealogía y evolución del rock en la cultura española lleva indefectiblemente a la consideración del rock y el pop español como productos (y al mismo tiempo aceleradores) del proceso de modernización en España. Modernización, desarrollo económico y cambio social van de la mano.

Según datos del INE, en los cuarenta años posteriores al final de la Segunda República se duplicó el porcentaje de población que residía en grandes ciudades —mayores de 100.000 habitantes— pasando del 18,8% en 1940 al 42% en 1980. El rock español, como todo el rock, es un producto generacional, expresión de una generación en su juventud.

Una generación de jóvenes urbanos muy numerosa producto del baby boom español de los años sesenta. Volveremos más adelante a retomar la cuestión generacional. En estos textos se da cuenta de forma más o menos explícita del cambio cultural que surge a partir de la segunda mitad del franquismo con la apertura producida en los años cincuenta tras el fin de la autarquía.

Apertura hacia el exterior (con los acuerdos con EUA y con la recepción de la primera oleada de turistas europeos) y cambio en los hábitos y en la mentalidad. Un cambio cultural expresado minoritariamente en los inicios del rock en España y que llega a eclosionar precisamente en la “década dorada” de la música popular urbana de los años ochenta.

En estos años que surge la movida como celebración de la libertad de las diferentes culturas juveniles, el rock se muestra como contrapunto a esa sociedad de consumo e industrial hablando de una juventud en paro y precarizada, devastada en algunos sectores por la heroína, y que vive alienada en grandes ciudades sin equipamientos y en un entorno ecológico muy deteriorado.

Ubicados en pleno proceso de modernización se observa (en la sección sobre “Medios de comunicación”) la incorporación de todos los medios (radio, prensa, televisión y cine) tanto públicos como privados, al fenómeno de la música popular urbana, reservando multitud de espacios orientados al público juvenil.

1. La apertura llega incluso a los sectores que tradicionalmente han sido más reacios al cambio.
2. Medios modernos con contenidos modernos y jóvenes profesionales que pertenecen a la misma generación.
3. Serán los inicios de periodistas que han llegado a convertirse en figuras mediáticas.
4. Fue tan fuerte el impulso modernizador que incluso la Iglesia (monopolizadora de la esfera cultural del franquismo a través de la educación y una de las principales fuentes de legitimación del régimen) se quiso apuntar al cambio cultural de la transición.

Como nos muestra Ordúñez en su artículo “Radio-rock”, la Iglesia, mediante su cadena de radio, fue una de las primeras en incorporar en sus emisiones de FM música de vanguardia y programaciones realizadas con ausencia de directrices. Por otro lado, el resto de sectores que alimentan y se retroalimentan del rock muestran el mismo carácter informal que aquello de lo que intentan informar: cómic, fanzines y radios libres.

En este apartado de sectores mediáticos atraídos por el rock resulta interesante el análisis de Teresa Fraile en “El rock en el cine español”, que refleja cómo el cine logra expresar los discursos de este género musical a partir de sus narrativas. Los excepcionales textos de Fernán del Val (“El rock español en la década de los ochenta.

Del underground a la institucionalización”) y de Héctor Fouce (“Nadie puede parar. La industria del rock en España, 1975-1985”) valen para ilustrar (el primero con un enfoque sociológico, el segundo con una perspectiva cercana a la economía política) en la evolución de la escena musical madrileña, el inicio de un nuevo proceso de transformación social y cultural en una década que se inicia libertaria y que se cierra con la institucionalización.

Un reconocimiento institucional más que evidente de gran parte de los movimientos sociales y artísticos, consistente en la cooptación de asociaciones de todo tipo (vecinales, juveniles y laborales), y también del rock. En ese sentido, la institucionalización de la música popular urbana es reflejo del proceso de institucionalización de la cultura en su sentido más amplio: mentalidades, costumbres, maneras de relacionarse en grupo, consumo, instrucción y percepción de lo político.

Los textos de Del Val y Fouce nos dan pie a evocar cómo en este proceso de institucionalización cultural, mediática y social, el sabor de la victoria del pop (y en gran medida también del rock) español tuvo su regusto amargo. Conviene recordar que una cadena de radio pública emblemática y con gran audiencia como Radio 3 resultó tan incómoda para el gobierno socialista que sufrió la amputación a partir del año 90 de gran parte de su contenido crítico y de expresión del libre pensamiento, al especializarse casi exclusivamente en la música.

1. Un claro efecto de la institucionalización es la descontextualización del rock para ser consumido únicamente como significante.
2. Y es que como el rock nunca ha podido despegarse de su contexto físico y social (un barrio periférico, una universidad, una ciudad) es claramente sociopolítico.
3. Y es por eso que la lectura del libro nos permite observar mucho más que un catálogo exhaustivo de bandas (y de sus componentes individuales, de sus fusiones y escisiones, de las influencias recibidas y de las emitidas, de sus recorridos discográficos y de sus trayectorias) y diferentes tipologías basadas en subgéneros o localización territorial.

La obra de Mora y Viñuela nos lleva del tardo franquismo a la actualidad a través de la sociedad, de la política, de la cultura y de la educación, e incluso de la economía de España (destaca el análisis del rock español entre 1990 y 2010 de Igor Paskual con el subtítulo Del espíritu olímpico a la Ley del Suelo ).

Esta obra no sólo explica cómo fue posible el surgimiento del rock en España, sino también cómo el rock se constituye en parte esencial de la cultura popular de este país. Y su lectura nos impele a la reflexión sociopolítica comparativa entre la música popular urbana que hizo de banda sonora de la transición entre el franquismo y la democracia parlamentaria, y la del momento presente.

Un presente en el cual no hay canciones que acompañen a los movimientos sociales de protesta (pensemos que precisamente el 15-M surge a partir de la protesta espontánea contra la ley que intentaba regular las descargas de música y otros contenidos en internet, conocida como la Ley Sinde ) que se producen en un periodo en el que se sufre la mayor crisis económica, social y política que ha conocido este país desde la Guerra Civil.

• Por eso se hace necesaria la introducción del elemento generacional.
• Nadie puede negar el carácter juvenil de la música rock, y, en ese sentido, las diferentes generaciones que la han producido y la han consumido han sido etiquetadas bajo diferentes calificativos (de procedencia tanto comercial como cinematográfica, mediática o sociológica): generación yeyé, pasota, jasp, X, nini, H.

Dentro del proceso de reemplazo generacional acaecido tras el triunfo del franquismo, la generación del rock español fue una paradójica generación “pasota” a la vez que movilizada políticamente. Comparativamente, la que más. Si la cultura política de la juventud de la transición miraba hacia adelante, la actual podría enfocar el retrovisor para intentar frenar la vuelta hacia el contexto de la generación del rock, dado el panorama de anulaciones de los derechos sociales y libertades, de incremento de la pobreza y las desigualdades, y de los escándalos conocidos de corrupción ilegal y legal de los gobiernos.

Pero volvamos a lo que está escrito en el libro. Es tan abundante y diversa la documentación que el conjunto de artículos de esta obra colectiva proporciona, que son muchas las líneas de investigación sociológicas que la obra inspira. Este estudio brinda un material muy útil para el análisis de la historia social de España.

Una parte importante de la sociología, empeñada en el acceso a las fuentes directas, se esfuerza en conseguir información del tipo de la que contiene este estudio. Realmente se le presenta un fenomenal documento autobiográfico. El sociólogo dispone de una historia de vida de la sociedad española posfranquista contada por el rock (incluso en primera persona como los capítulos de “Radio-rock” de Ordúñez, y el de “La alternativa musical independiente” de Galán).

Una historia de vida en la modalidad de “relatos paralelos”, narrada por sujetos sociales que han vivido la historia del rock, y que analizan los posicionamientos ideológicos y las prácticas artísticas que tienen lugar en la sucesión de determinados acontecimientos y desde diferentes ubicaciones dentro de este campo cultural específico: músicos, periodistas, artistas, críticos, directores discográficos independientes y autores que conjugan algunas de estas actividades con las de la investigación académica.

El rock fue desde sus inicios una expresión de la juventud. Una juventud tradicionalmente definida como de tránsito entre la infancia y la adultez, pero que ha pasado a tener una definición cultural totalizadora mediante el ejercicio metonímico de expresar el todo por la parte.

La adscripción existencial basada en criterios sociológicos (dependencia/autonomía) o biológicos (edad) pierde peso respecto a cuestiones relacionadas con la conciencia. Ser joven es sentirse joven, tener la actitud que culturalmente se ha asociado a ser joven: al día en cuanto a la innovación, dinámico, que vive de forma intensa el presente, atraído por la aventura, con la mente abierta a nuevas realidades y en continua transformación.

Algo que ha provocado la difusión de formas de consumo orientadas a todo tipo de públicos, independientemente de la edad: turismo, moda, cosmética son ejemplos claros, pero también el rock. De ahí la enorme importancia de asociar música a la publicidad para conectar precisamente el consumo con ciertas generaciones (en el capítulo de Raúl Rodríguez y Cande Sánchez “Rock & Spot: rockicidad en España”), a partir de la evocación de emociones relacionadas, por ejemplo, con la nostalgia.

1. Como diría Ibáñez (1994: 180), consumir cierto producto o marca es comprar el ticket que da derecho a entrar en el mundo representado por el anuncio de este producto.
2. Aunque en este caso el universo simbólico corresponda al de tu propio pasado.
3. La tarea de conectar la música con las biografías generacionales resulta muy eficaz para activar motivaciones hacia el consumo.

Este relato del rock español que la obra de Mora y Viñuelas ofrece nos permite ver el rock como un producto generacional, no sólo porque se refiere a la vivencia de unos mismos sucesos en la misma etapa del ciclo vital, sino también porque comparten una misma situación en el espacio social (Martín Criado, 2009).

1. Se observa notablemente fructífera la inclusión del concepto de generación en el estudio de la música popular porque podría explicar la enorme dificultad para encontrar los criterios formales de inclusión y exclusión de determinadas expresiones musicales dentro y fuera del rock como género.
2. Por eso, un aspecto a través del cual se debe abordar sociológicamente el estudio del rock es el de la identidad.

Y es que pocas cosas resultan ser más evidentemente identitarias que la continua referencia del rock a la “autenticidad” de sus prácticas. Una identidad cuya principal fuente es la generacional. Como señaló Gil Calvo (1985) en los años ochenta para explicar la cultura juvenil, la principal dimensión que desarrolla comunicativamente la música es la relacional (o analógica siguiendo la clasificación producida por la Escuela de Palo Alto).

1. El rock es identidad, expresa los sentimientos de pertenencia a una generación, marcando las diferencias con otras generaciones.
2. El anclaje temporal de la música facilita información sobre las relaciones entre los comunicantes (poder político/sociedad civil; padres/hijos) según diferentes posesiones de capital cultural.

Y de la misma manera, la identificación con un determinado subgénero o grupo musical permite marcar distancias con los seguidores de otros grupos, subgéneros o subculturas. En la posmodernidad, las fuentes de identidad tradicionales (profesión, educación, familia, religión, clase social, partido político) ya no tienen tanta importancia como estas nuevas fuentes que ofrece la sociedad de consumo: la moda, las marcas y los productos comunicativos.

Si bien no se observa ningún artículo específico sobre el fenómeno fan en España que podría profundizar sobre esta dimensión identitaria, sí que se hace constar en los cuatro capítulos del apartado sobre “Escenas” el asunto de la identificación territorial (lingüística, cultural, histórica) que expresa el rock español.

No podría ser de otra manera, ya que la vertiente bilingüe del rock que se observa en Catalunya, Euskadi o Galiza, se encuentra dentro del cruce entre los ejes identitario y político en los contextos de descentralización administrativa y política y de represión que tuvieron lugar en la transición.

Pero además, gracias a este ejercicio analítico de sectorizar “étnicamente” el rock español, podemos encontrar la sorprendente “anomalía” gallega del bravú que nos muestra Gonzalo Cifuentes, consistente en conseguir llevar el rock al mundo rural (frente a la concepción generalizada del rock como música eminentemente urbana) y comprender por qué las especificidades del rock andaluz (solamente una parte del rock hecho en Andalucía es rock andaluz, nos explica el capítulo de Luis Clemente) lo hacen la variedad más original del panorama, pues incluso ha logrado hacer un “retorno” hacia los lugares donde se ubican las raíces del rock (Estados Unidos de América).

Para finalizar, animamos a que los autores puedan continuar este sugestivo estudio en el futuro, extendiéndose más sobre algunos temas importantes respecto a las tendencias actuales y futuras de la cultural musical y de la industria discográfica en España.

Uno puede ser la estrecha relación entre el consumo del rock y el uso de las tecnologías de la información. Cuestión básica para entender en términos económicos tanto los cambios en la oferta, las estrategias de los artistas (como puede ser una mayor presencia en los escenarios y una mayor autogestión), como los de la demanda de los seguidores y consumidores.

Otros aspectos sociológicos centrados en el campo de la producción cultural de la música popular (del rock, pero también de otros géneros musicales muy presentes en la población juvenil) también podrían ser incluidos. Uno de ellos es el del papel de las administraciones públicas en su labor de apoyo —y su consecuente institucionalización— en un contexto de recortes de los presupuestos destinados a la cultura.

1. Otro es la introducción de las variables clase social y género para que ayude a comprender cómo, imbricados en la estructura social española, se forman y actualizan los diferentes subgéneros de la música popular urbana.
2. Los efectos combinados de ambos sobre la creatividad pueden ser muy productivos a la hora de interpretar tanto las obras artísticas, como las diferentes decodificaciones que de las mismas realizan los públicos.

Bibliografía Firth, Simon (2001), “Hacia una estética de la música popular”, en Francisco Cruces et al., Las culturas musicales. Lecturas en etnomusicología, Madrid: Trotta. Gil Calvo, Enrique (1985), Los depredadores audiovisuales. Juventud urbana y consumo de masas, Madrid: Tecnos.

• Ibáñez, Jesús (1994), Por una sociología de la vida cotidiana, Madrid: Siglo XXI.
• Martín Criado, Enrique (2009), “Generaciones/clases de edad”, en Román Reyes, Diccionario Crítico de Ciencias Sociales.
• Terminología Científico-Social, Madrid-México: Plaza y Valdés.
• Disponible en: http://pendientedemigracion.ucm.es/info/eurotheo/diccionario/G/generaciones.htm,

Información sobre el autor: Clemente Penalva Verdú. Doctor en Sociología por la Universidad de Alicante. Se encuentra adscrito al Instituto de Desarrollo Social y Paz, Universidad de Alicante. Líneas de investigación: cambio social y vida cotidiana: identidad, incertidumbre y desigualdad, movimientos sociales y desarrollo comunitario; comunicación de masas y desigualdad.

• Publicaciones recientes: Alaminos, A. y C.
• Penalva, “España: de los impactos de la crisis a las movilizaciones de protesta”, en Ecuador Debate, agosto (2013); Alaminos, A. y C.
• Penalva, “Ética civil y ética religosa en España”, en Revista Internacional de Sociología, vol.70, núm.2 (2012); Alaminos, A.

y C. Penalva, “The Cognitive Mobilization Index: Crises and Political Generations”, en Sage Open, marzo (2012).

¿Qué función cumple el rock en la sociedad?

Los cambios fundamentales que produjo el rock en la sociedad: tolerancia y apertura – Una mayor apertura mental y tolerancia fueron las consecuencias de la movida rock. El rock, sin dudas, le puso sal a la sociedad, generando por caso muchos cambios sociales y el avance de tendencias que estaban latentes pero que necesitaban de un empuje y un ánimo especial para echarlas a andar.

Acompañando este suceso que significó el rock no podemos soslayar a su gran compañera y aliada: la guitarra eléctrica. El sonido singular que aporta este instrumento encaja perfectamente con la propuesta de este género. Y a esto le sumamos lo que comentamos líneas arriba, que el rock gana aún más valor e importancia cuando empieza a dar crecimiento y entidad a artistas y agrupaciones que se volverían muy conocidas en el mundo, y que como tales marcarán su influencia.

Y ni hablar de la inspiración que el rock significó para muchos otros géneros musicales más nuevos que nacieron de su base. Si bien no se puede restringir el rock a una franja etaria, es una realidad que se trata de un género que por sus características impacta y es más receptivo en el sector más joven de la sociedad.

¿Quién es el mejor del rock argentino?

Charly García : es imposible hablar de rock argentino y no mencionarlo. Admirado por millones de fans y por la mayoría de artistas actuales, Charly García es el hombre detrás de fantásticas canciones como ‘Promesas sobre el bidet’, ‘Raros peinados nuevos’ e ‘Influencia’.

¿Cómo se desarrolla el rock en Argentina?

Breve Historia del Rock Argentino Breve Historia del Rock Argentino Periodo 1950 – 1959 El rock llegó a la Argentina en la década del 50; como reflejo de la explosión musical que se expandía por el mundo entero. Pero ese furor ágil, rebelde y descontraído, llegaría como una nueva música de moda.

El verdadero rock argentino tardaría todavía una década más en nacer. El panorama musical de la Argentina estaba gobernado por cantantes románticos. Por ese entonces el bolero todavía cubría un lugar importante en las pistas de baile y obviamente, el tango y el folklore eran herencias respetadas de otros tiempos.

La influencia de Elvis Presley, Bill Halley & The Comets y otros despertó en los artistas argentinos ganas de rockear. Periodo 1960 – 1969 Ya en los 60′ y con la incorporación del twist de la mano de Chubby Checker, el género ganó más adeptos entre cantantes y músicos locales.

• Con Los Beatles a la cabeza las escalas comenzaron a alterarse.
• En la Argentina, programas televisivos como «Ritmo y Juventud» y «El Club Del Clan» proclamaba la llegada de la nueva ola musical.
• Palito Ortega, Jhony Tedesco, Jolly land, Violeta Rivas, Nicky Jones, Chico Novarro, Lalo Fransen y varios más asumieron la vanguardia juvenil del momento, pero el cambio no pasaría por ellos.

Un grupo no numeroso de jóvenes rebeldes e inquietantes asumió esa nueva filosofía de vida que a partir del rock se expandía por todo el mundo. Las pautas eran distintas, opuestas a todo lo establecido. Las premisas de los rockeros argentinos se basaba en conceptos éticos y estéticos opuestos a todo lo conocido.

1. La idea consistía en tomar el nuevo mensaje musical y cantar en castellano los sentimientos y vivencias de quienes no estaban de acuerdo con el modelo establecido por la sociedad.
2. Como reflejo de la Beatlemanía, los pelos largos comenzaron a aparecer y la imagen sufrió cambios notables.
3. Pero el gran cambio no pasaba simplemente por el aspecto: en bares, plazas, pensiones y otros puntos de encuentro, el rock en castellano comenzaba a ser una realidad,

Allí estaban Javier Martinez, Miguel Abuelo, Tanguito, Pajarito Zaguri y otros que, sin ser músicos, también compartían la flamante filosofía. las primeras épocas fueron realmente duras: carentes de medios, perseguidos por la policía, ignorados por los productores, incomprendidos por la prensa y el resto de los jóvenes, su radio de acción se vio circunscripto a escasos puntos de reunión.

1. Primera Década (1967-1977) En 1965 llegaron a Buenos Aires Los Gatos Salvajes, un grupo rosarino que si bien ingreso en un circuito menos bohemio y más comercial, se sumó a la consigna casi utópico de cantar rock en castellano.
2. Desde el Uruguay llegaron Los Shakers, de los hermanos Fattorusso, excelentes músicos que cantaban en inglés, y poco apoco todos comenzaron a converger en Pasarotus, un boliche de jazz en Pueyrredón al 1700 que cambió su denominación por La Cueva junto con la perla de once, plaza Francia, el instituto di tella y algunos otros pocos sitios marginales o casi desconocidos fueron el centro de incipiente movimiento,

Los primeros en grabar fueron Los Beatniks, quienes en junio de 1966 lanzaron a la calle su primer simple Rebelde. Vendieron nada más que 200 copias. En 1967, Litto Nebbia y Los Gatos dieron la primera estocada: su simple debut, «La Balsa», «Ayer nomás», vendió nada menos que doscientas mil copias.

• El rock argentino tenía su primer éxito masivo, y entonces el movimiento cobró fuerza.
• Comenzaron los festivales, los productores prestaron mayor atención al fenómeno, apareció la revista «Pinap», la legión de jóvenes se engrosó considerablemente, y nuevos músicos se atrevieron a mostrar lo suyo.
• Con la aparición de Manal y almendra junto con los Gatos el rock tenía su trilogía esencial, y aquellos tibios intentos de Los Beatniks, Los Abuelos de la Nada y otros comenzaban a dar sus frutos.

La década del ‘70 recibió rock como movimiento en pleno desarrollo. Ya no sólo estaba Almendra, Manal y Los Gatos. Nuevas bandas y solistas se sumaban al género, cada cual con sus propias ideas, sueños y convicciones: vox Dei, Arco Iris, Pedro y Pablo, La barra de Chocolate, Pappo’s Blues, La pesada del Rock and Roll y muchos más.

Por entonces, el incipiente rock argentino era denominado «Música Beat». Pero el rock iba más allá del éxito momentáneo con estribillos pegadizos, En Belgrano surgió Almendra, con Spinetta a la cabeza. En Caballito de la unión de charly García y Nito Mestre se forma Sui Generis. Miguel Peralta, cantante folklórico, se asomó un día por La Cueva y aceptó como desafío y a modo de repudio cantar Vidala del angelito.

Lo aplaudieron a rabiar. Muy pronto se haría llamar Miguel Abuelo. El grupo conformado por Gabis, Martinez y Medina tocaba Blues y se llamaba Manal. Miguel Abuelo junto con Los Abuelos de la Nada, logró un contrató con la CBS. Almendra tuvo mejor suerte y su tercer simple se convirtió en un éxito: Tema de Pototo y luego con Muchacha, ojos de papel, que se convertiría en otro gran clásico del rock nacional.

1. Un grupo de Quilmes llamado Vox Dei venía pisando fuerte.
2. Su primer simple Azúcar amarga, dejó claro su enorme potencial.
3. Los festivales comienzan a ponerse de moda.
4. El primer concierto masivo fue el Festival Pinap, organizado por la revista del mismo nombre.12.000 personas llegaron al lugar para ver los shows de Almendra, Manal y otros grupos de barrio.

En 1969, se separan Los Gatos momentáneamente y volvieron a reunirse con Pappo reemplazando a Galiffi. Se volcaron a un estilo más rockero hasta que se disolvieron definitivamente a fin de año. Pappo forma Pappo’s Blues, hoy una leyenda. La relación de los de Almendra se desgastó y terminaron separándose.

• Manal grabó un disco brillante, pero el sello comenzó a zozobrar financieramente y Manal se separó.
• Periodo 1970 – 1979 La Cofradía de la Flor Solar fue el primer grupo en intentar un modo de vida comunitario.
• Aparecieron en 1969, grabaron en 1971 y apoyaron a otro dúo que venía trabajando desde hace tiempo: Pedro y Pablo, es decir Miguel Cantilo y Jorge Durietz.

En 1971, Vox Dei dejó grabada la primera obra conceptual : La Biblia. Los medios de difusión seguían vedados para la gran mayoría de los rockeros. En febrero de 1970 apareció la revista «Pelo» con los objetivos de apoyar a los progresivos y diferenciarlos de los complacientes, pero eso no bastaba para apuntar a un movimiento que cada vez contaba con mayor cantidad de artistas y recitales.

• Los festivales B.A.
• Rock – organizados por «Pelo» – congregaban multitudes, pero los medios de comunicación tergiversaban los acontecimientos y las posibilidades de trascendencia masiva no eran muchas.
• En el período 72-73 se produjo un sub-movimiento que, resistido en un principio por los propios rockeros, logró finalmente allanar el camino de la masividad: el rock acústico.

Color humano, pescado Rabioso, Aquelarre, Vox Dei, Arco Iris, Alma y Vida, Moris, Litto Nebbia, Billy Bond y La Pesada del Rock And Roll, Pappo’s Blues y algunos pocos más, eran los nombres importantes del panorama, pero la aparición del rock acústico de la mano de León Gieco, Raúl Porchetto, Miguel y Eugenio y Sui Generis modificó las estructuras musicales y amplió el horizonte.

Ya no se necesitaban instrumentos eléctricos para comunicar el mensaje del rock. En el auditorio Kraft de la calle Florida, se produjo un «acústicazo» de entrecasa. León Gieco, Raúl Porchetto y Sui Generis brindaron dos shows sorpresivos bajo el nombre de Porsuigieco. La violencia ya era pan de todos los días en Argentina, y se trasladó también al rock.

Primero fue la muerte de José Alberto Iglesias, Tanguito, que su vida terminó bajo las ruedas de un tren en Palermo. Los grupos más populares del ‘75 fueron Aquelarre, Invisible y Sui Generis que con «Confesiones de Invierno», consolidó su prestigió y pegó el estirón con «Pequeñas anécdotas sobre las instituciones».

• Ese disco fue censurado por ser una sátira sobre la vida política del país.
• Tuvieron que dejar afuera dos temas «Juan represión» y «Botas locas» y pulir tres temas.
• Un grupo similar a Sui Generis fue Vivencia quienes lograron el éxito con el tema «en mi cuarto».
• Otro dúo acústico fue Pastoral y su momento llegaría con su segundo disco «El hospicio».

Ya en 1975, Sui Generis era el número indiscutido del rock argentino y su separación a fines de ese año congregó una verdadera multitud en el estadio Luna Park. El 24 de marzo de 1976, la presidenta Isabel Perón es derrocada por un golpe militar, y el nuevo gobierno ajustaría las clavijas, ya instaladas, en el rock que como movimiento joven, pasa automáticamente a ser considerado sospechoso.

• Con la separación de Sui Generis tres nuevas agrupaciones surgieron y captaron la adhesión de un amplio sector de audiencia.
• Los Desconocidos de Siempre ( Nito Mestre ), La Máquina de Hacer Pájaros ( Charly Garcia) y Polífemo ( David Lebón ).
• Muchos de los pioneros del rock argentino había emigrado al exterior en busca de nuevos horizontes.

Ya no estaban Edelmiro Molinari, Miguel Abuelo, Miguel Cantilo, Aquelarre, Claudio Gabis, Javier Martinez y otros, pero Invisible, Gieco, Porchetto, Alas, Arco Iris, Soluna, Nebbia Trío, Espíritu, Crucis, El Reloj y muchos más cubrían las necesidades de un público que seguía aumentando el número.

El rock seguía adelante pero el clima de represión y terror comenzó a hacer sentir. Muchos músicos eligieron exiliarse. Otros optaron por resistir. En la argentina de 1976, nadie podía sentirse seguro. El rock no era la excepción a la regla. Este periodo histórico conocido se lo reconoce como la «Gran Crisis», que coincidió con los peores años de la dictadura militar, y con la desaparición de los grupos más importantes.

El rock había ganado terreno en los medios de comunicación, pero seguía habiendo escollos insalvables. Revistas como » Expreso imaginario «,»Estornudo «,» Algún Día»y» Roll», en distintos momentos y con distintos logros, sirvieron para apuntalar la difusión del movimiento, algo en lo cual colaboraron infinidad de revistas subterráneas.

El 11 de noviembre de 1977, Charly hace un recital como despedida que se llamó «Festival del amor». Allí volvería a juntarse Sui Generis de manera informal, La Máquina tocaría por última vez y estarían presentes todos sus amigos. Algo así como la primera formación de Serú Giran. Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia, Rodolfo Mederos y domingo Cura participaron de un espectáculo llamado «Encuentro».

En 1978 vuelve a la carga Pappo’s Blues. A León Gieco, con El fantasma de Canterville, y Nito Mestre y los desconocidos de siempre, con su primer álbum, les fue muy bien. Ricardo Sóule se habría de Vox Dei y Litto Nebbia preparaba el equipaje para radicarse en México por algunos años.

• El exilio también alcanzó a algunos integrantes de Crucis y posteriormente a León Gieco.
• Cuando la fiebre del fútbol mundial taponaba cualquier intento musical, un nuevo fenómeno daba sus primeros pasos coincidiendo con una supuesta muerte del rock propagada por cierta prensa: Serú Giran.
• Serú Giran cambió las cosas, rescató la energía, el encanto de la canción, el fiel reflejo de una realidad agobiante, y la participación del público en los recitales.

La reunión de Almendra contribuyó al replanteo de las estructuras musicales. Y el rock recuperó gran parte de su publicó. Esta fue un buen negocio y sin darse cuenta el rock cayó en un periodo de «revival». Muchos renombres engrosaron la lista de los reaparecidos: Manal, Moris, Espíritu, El Reloj, Pedro y Pablo.

Estos últimos fueron fundamentales en la nueva tendencia que se impondría poco tiempo después : la canción contestataria. Periodo 1980 – 1989 Ya comenzaban a aparecer los nombres que marcarían los años ‘80. Por un lado Pappo despedía a Pappo’s Blues y presentaría en sociedad Riff. Por el otro, se formaban bandas como dulces 16 y Virus, que comienzan a remar desde La Plata, lugar que albergaba a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Manal se volvió a juntar. Serú Giran hace un recital gratuito en La Rural al que acuden 60.000 personas. Raúl porchetto alcanza un pico de popularidad con Metegol, al igual que La Banda, grupo de Rúben Rada. La peor represión de la dictadura militar había pasado en 1981, y muchos músicos regresan al país, par júbilo de sus fans.

1. Ellos fueron Litto Nebbia, Miguel Cantilo, Piero y Moris.
2. No pocos se percataron del regreso de Miguel Abuelo, que primero conformó un trío y luego aumentó su banda hasta formar lo que serían los Abuelos de la Nada.
3. El grupo Virus, liderado por Federico Moura, tocaba New-Wave que todavía no era muy valorizado por los músicos.

Tuvieron que vivir eso en carne propia cuando se presentaron en «Prima Rock» en Ezeiza para mostrar en sociedad su gran trabajo » Wadu-Wadu» y los bombardearon con proyectiles. En marzo Serú Giran se separa porque Pedro Aznar decide continuar sus estudios en Berklee.

Otros grupo que destacaban en la escena del momento era Alejandro Lerner. En 1982 dos hechos marcaban la historia del rock en Argentina. Por un lado, la Guerra de las Malvinas provocó la inmediata censura de la música en inglés y entonces el rock argentino logró el espacio que reclamaba y merecía desde hacía ya muchos años.

Juan Carlos Baglietto fue la sorpresa de 1982, abriéndoles las puertas a músicos del interior postergados hasta el momento por el pulpo porteño. El rosarino y su banda -en la que estaban Fito Paez, Silvina Garré y Rúben goldín – bajaron a Bs. As. Y grabaron Tiempos Difíciles, un disco que lo pondría en boca de todos.

El famoso y polémico Festival de la Solidaridad Latinoamericana confirmó el alcance masivo del rock argentino y sus artistas. La admisión sólo requería de la donación de ropa de abrigo. Los músicos preferían la paz que la guerra y su intención era solidarizarse con los soldados que sufrían en Malvinas.

La apertura política decretada por el Proceso significó el momento de auge de la canción contestataria. Y era lógico. El gobierno de facto había silenciado muchos sentimientos y la gente estaba ávida de escuchar y los músicos ávidos de escuchar verdades.

Pero los músicos de rock – perseguidos, censurados, reprimidos, golpeados y temidos por la dictadura militar- comenzaban a apuntar sus artillerías hacia nuevos horizontes musicales. En su gran mayoría y sobre todo los creadores rockeros se orientaron hacia un nuevo lenguaje musical, que estaba cambiando el nuevo panorama internacional.

El new-wave y su rescate de las melodías pop y la energía del rock and roll, habían dejado secuelas en el rock argentino. Curiosamente, los encargados de poner fin al auge protestón fueron unos undergrouns que tomaban la música de los ‘60 para reírse de todos: Los Twist.

1. Ellos gestaron toda una época que la llamada «música divertida» coparía los oídos de los adolescentes.
2. Como contracara de esa propuesta, los músicos rosarinos surgidos de la sombra de Baglietto representaban la faceta «seria» de la escena.
3. El punto de intersección de ambas propuestas era hacer arte en libertad.

El panorama se amplio cada vez más con el encubrimiento de nuevos nombres (Celeste Carballo, Fito Páez, Alejandro Lerner) que se sumaron a los grandes de la otra década (Charly Garcia, Luis A. Spinetta, Litto Nebbia, León Gieco, Raúl Porchetto, David Lebón, Miguel Cantilo).

• Lentamente, el pop ganó espacio en la música de rock, y los grupos «modernos» fueron venciendo la resistencia del publico.
• Contrariamente a lo que muchos pensaban, la llegada de la democracia tras los oscuros días de régimen militar mermó la popularidad del rock.
• La intensa difusión lograda en la época de Malvinas sirvió para ensanchar el margen de edad de los consumidores del género.

En 1983 resurgió el rock duro. De la mano del viejo líder del estilo, Pappo, con su grupo Riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop. Pero el furor no duró mucho y para el ‘84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos de eclipsamiento.

Sin embargo grupos como La Torre y Púrpura mantuvieron viva la llama del rock and roll. Los Twist, Virus, Los Abuelos conformaron la punta del iceberg del rock «moderno». Si bien no estaba Serú Giran para liderar el panorama, la carrera solista de Charly García sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota hicieron brillantes recitales a partir del repertorio de su primer disco, Gulp!. Miguel Mateos y Zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco Huevos, y el tercero, Tengo que parar. Cuatro muchachas ( Díaz, Epumer, Sinessi y Ruffianatti) conformaban Viudas e Hijas de Roque Enroll, una idea comercial que funcionó mejor de lo que se esperaba.

En 1985, sale al aire la radio Rock & Pop. Es el primer intento de una radio que sólo se dedique al rock y resulta ser un boom de audiencia. Con medios Soda Stereo grababa su segundo disco Nada Personal, que iniciaba una escalada en el gusto popular. Además de Patricio Rey, Sumo era la sensación más fuerte del underground.

Luca Prodan y el resto de los de Sumo parecían marcianos que habían aterrizado en Buenos Aires. Sin embargo el grupo de 1985 fue Zas, cuyo disco Rockas Vivas fue el éxito del momento. Los Violadores comenzaron como un irreductible grupo de Punk. Por su lado los Fabulosos Cadillacs, un grupo multitudinario, desafinado y ruidoso proclamó la llega del Ská.

• En 1987 Soda y Sumo eran los grupos que más progreso evidenciaron.
• Sus discos Signos y Llegando los Monos, respectivamente, fueron muy vendidos. Soda.
• Comenzó a exportar su música y Sumo llegó a Obras.
• Charly y Aznar graban juntos Tango 4 y Spinetta grabó junto a Fito Páez La,la,la, quien ya había registrado Giros.

Lo que se observa claramente en esta segunda década es que el rock contó con tantos anticuerpos necesarios para atravesar una crisis profunda, que después llevó a una etapa de crecimiento ordenado, para pasar, por causa de la guerra de Malvinas, a una popularidad masiva.

1. Las ediciones discográficas y la cantidad de conciertos creció enormemente.
2. Pero el mercado permaneció estático por la crisis económica que la democracia no pudo resolver.
3. Periodo 1990 – 1999 La tercera década del rock nacional no comenzó muy bien a nivel institucional.
4. Cuando Alfonsín llegó al gobierno varios grupos rockeros fueron invitados a participar de recitales al aire libre en parques públicos, por el secretario de cultura de la municipalidad.

Todo cambió cuando asumió Felix Luna que suspendió esa serie de conciertos veraniegos por considerar que «podrían provocar violencia». Pero el rock estaba muy ocupado para preocuparse por esa triste declaración.1987 sería el año de cosecha de Soda, que provoca crisis histéricas en varios países latinoamericanos.

• Tras sus pasos estaban Los enanitos verdes.
• Quienes comenzarían a declinar serían los Zas, ya que pierden terreno en la Argentina.
• Uno de los primeros grupos de reggea fueron Los Pericos, que causan conmoción con el tema El ritual de la banana, que empuja hacia arriba a su álbum debut.
• Pronto aparecen más bandas como la Zimbabwe, Todos al obelisco, etc.

Los Fabulosos comenzaron a crecer de ritmo con Yo te avise, su segundo trabajo. Charly García vuelve a convocar multitudes con Parte de la Religión y Luis A. Spinetta madura su Tester de Violencia. Fito Páez comienza a recuperarse de las desgracias familiares con Ciudad de pobres corazones.

Pappo vuelve a armar Riff con Oscar Moro y un muchacho que promete: Jaf. Los que inician un camino por el sendero del éxito son Los Ratones Paranoicos. Pero lo peor del año fue la muerte de Luca Prodan en Diciembre de 1987. No podía controlar el alcoholismo. Iban a internarse en una clínica para desintoxicarse, pero murió dos días antes de cobrar la suma que se lo permitiría.

Moría el hombre y nacía la leyenda. Cuando el rock no había asimilado la perdida de Luca, moría Miguel Abuelo. Sólo, con pocos amigos alrededor y sin plata, dejaba este mundo cruel en marzo de 1988. Sumo se dividió en dos grupos. Divididos y Las Pelotas.

Andrés Calamáro se dedicó de lleno a su carrera de solista, sin mucho éxito. Los que comenzaron a llenar cualquier lugar donde tocasen eran Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Hilda Lizarazú formo la banda Man Ray. Rata Blanca comenzó a imponerse como una banda de » metal clásico «, tomando influencias de Deep Purple.

Fabiana Cantilo mantenía su carrera de solista con algunos altibajos. Todos tus Muertos llegaba con el disco Invasión 88, un compilado Under.1988 terminó con otra muerte: Federico Moura, que tomó al publico de Virus con la guardia baja. Su enfermedad fue mantenida en secreto por su entorno, y eso ayudó a que sus últimos días transcurrieran en paz.

En 1989 la crisis no perdonó a nadie, el país atravesó la peor hiperinflación de su historia. Para esa época el disco ya era viejo y el compact-disc caro. El rock no sería ajeno a tales vaivenes y muchos contratos fueron devueltos. A comienzos de 1990, Fito Páez hace pública su decisión de irse del país y sus palabras causan revuelo nacional.

Tenía Tercer Mundo parado y sin miras de salir. En Europa lo edita y consigue un éxito masivo y regresa. Mientras Andrés Calamáro en España, junto con Ariel Roth y otros conforman Los Rodriguez. Rata Blanca dio una gran sorpresa con sus millones de discos vendidos.

1. Charly compone Filosofía barata y zapatos de goma en el que incluye su versión del himno Nacional Argentino.
2. La Portuaria grabó cuatro albumes, el último Huija.
3. Diego Frenkel abandonó La Portuaria para grabar su albúm solista.
4. Los años ‘90 fueron cambiantes para la escena del Rock nacional.
5. Los grandes como Charly García, Spinetta, Fito Páez y Soda Stereo, mantuvieron intactos sus laureles.

Fito Páez tuvo éxito masivo con las ventas de El amor después del amor, Circo Beat y Euforia. Spinetta fue diametralmente opuesto con la aparición de Fuego Gris. En 1995 volvió con Los Socios del Desierto y un repertorio renovado. Charly García tuvo una década compleja.

• Atravesó dos internaciones tras un par de colapsos nerviosos.
• Pero nada pudo pararlo: en 1992 se reunió con Serú Giran – llenando dos River-, y dejando el álbum doble grabado en directo Serú ’92.
• Editó La hija de la lágrima, Estabas en llamas cuando me acosté e hizo un Unplugged para la cadena MTV.
• En 1996 se preparó para sacar Say no more.

Patricio Rey siguen con su estilo underground vendiendo y convocando mucho público, con su último disco Luzbelito. Illya Kuriaki & The Valderrama pasó de ser el grupo del » hijo de Spinetta» a tener un peso por derecho propio: Chaco, su tercer disco, el que rindió cuentas de un crecimiento.

• Rata Blanca y Ataque 77, padecieron de un éxito circunstancial, con Mujer Amante y Hacélo por mi, respectivamente.
• Las Pelotas se autoabastecen sin necesidad de estar contando con una burocracia multinacional a la que abominan.
• Los Divididos alcanzó en su tercer disco La Era de la Boludez la masividad, éste es una radiografía de la mentalidad argentina de los ‘90.

En los ‘90 fueron los años en los que el punk y el heavy metal trascendieron hacia la masividad. Como ser Dos Minutos, Todos Tus Muertos,etc. De la mano de Hermética el heavy metal volvió a reinar. Problemas internos hicieron que se dividan el Malón y Almafuerte.

1. Ahora el centro metálico está en A.N.I.M.A.L, un trío potente.
2. El grupo Los Visitantes se hizo de la nada, su mezcla de rock y tango devolvió al rock urbano su mística porteña.
3. En esa veta figuran Los Piojos, quienes vieron subir sus acciones en 1996 y Los Caballeros de la Quema.
4. Por el lado de la Cultura Stone, La Renga pisó fuerte con el álbum «Desnudo para Siempre o Despedazado por Mil Partes» y luego se fue asentando con otros de menor éxito.

Viejas Locas se consolidó con «Me Gustas Mucho», hit durante 1999. El rock alternativo no pudo establecerse, salvo los Babasónicos que fueron los únicos en llegar a Obras. Los Brujos han sido los más constantes pero todavía no vieron fortuna. Juana la Loca es otro que viene asomando.

¿Cuál es la canción de rock más escuchada del mundo?

Las canciones de rock más escuchadas en el mundo en 2020: Believer – Imagine Dragons. Bohemian Rhapsody – 2011 Mix – Queen. The Less I Know The Better – Tame Impala.

¿Dónde nació el rock en español?

El rock en español es la música rock compuesta e interpretada en castellano.

Rock en español
Orígenes culturales	c.1956
Instrumentos comunes	Guitarra acústica, bajo eléctrico, batería, guitarra eléctrica, teclado electrónico
Popularidad	Popular en el mundo hispanohablante, baja en el resto del mundo
Fusiones

¿Cuáles son los valores que transmite el rock?

¡Al ritmo de rock! Así combaten el bullying y promueven valores “La violencia y el bullying son monstruos y a veces el fuego se combate con fuego, Así que creamos nuestros propios monstruos”,

• Así lo afirma Clarck Flores de 48 años, quien usando el rock y su experiencia como diseñador gráfico, creó un grupo que busca promover valores en los niños de México,
• Rock & Monsters es el nombre que lleva su proyecto, el cual puede ser escuchado todos los sábados de 11:00 a 12:00 horas por fm, estación de radio del Tec de Monterrey, campus Monterrey.
• El proyecto consta de un grupo musical integrado por tres monstruos : Macha el dinosaurio, Zomberto el zombie y Wolfinkus III, un hombre lobo que lidera el grupo.

Macha el dinosaurio, Wolfinkus III, el hombre lobo y Zomberto el zombie Usando canciones de su autoría y covers de grupos de rock, pero con letras positivas, Clarck busca disminuir los índices de bullying y violencia en el país. ” Los covers los hacemos a nuestro estilo. Cambiando las letras y haciéndolo familiar para que lo puedan disfrutar los papás y los hijos “, señaló Clark.

1. Sus canciones promueven actitudes y valores como la unión familiar, superación, respeto, amistad, inclusión y el rechazo al bullying,
2. Rock & Monsters además de transmitirse por tiene apariciones en televisión de Nuevo León, en Canal 28,
3. Clarck mencionó que la iniciativa incluso está avalada por el Consejo de Valores y la Comisión Estatal de Derechos Humanos de Nuevo León.

• UNA PROPUESTA CON VALORES
• Luego de convertirse en padre de dos hijas quienes estudian actualmente preparatoria y primaria, (una de ellas con síndrome de Asperger) Clarck se interesó por el ambiente escolar que vivían ambas.
• Luego de investigar, visitar escuelas y platicar con profesores se percató del incremento constante de la violencia escolar con el paso del tiempo.
• “Nos dimos cuenta que el entretenimiento, que se supone es infantil, estaba cargado de contenidos donde la violencia es normal “, relató.

“El rock nació como una protesta en su momento, pero tenía una propuesta. Nosotros protestamos contra esos contenidos pero lo hacemos de una manera divertida”, añadió. En ese momento Clarck había trabajado para empresas diseñando algunas mascotas por lo que unió ese conocimiento y el rock,

1. Uno de sus objetivos es lograr que las empresas y los organismos se unan y apoyen esta y otras iniciativas.
2. “Todo el mundo dice que la violencia está muy fea pero nadie hace nada”, aseguró.
3. Algunas compañías como la pizzería Little Caesars o la cadena HEB han apoyado esta iniciativa.
4. Clarck afirma que buscarán encontrar más apoyo para seguir con su trabajo y hace una invitación a apoyar la iniciativa mediante sus,

• LAS PERSONALIDADES
• Clarck relató cómo se enamoró del rock cuando uno de sus tíos llevaba la música en su camioneta durante algunos trayectos en la ciudad de Monterrey.
• Al crecer estudió diseño gráfico, pero el rock estuvo presente en su vida, por lo que cuando creó esta iniciativa usó la música y el diseño.

“El líder de la banda es un hombre lobo que no quería asustar. Entonces decide usar su vida para otra cosa y su abuelo Wolfinkus primero le enseña el secreto del rock”, cuenta Clarck.

1. Flores, quien se viste como Wolfinkus, afirma que cada uno de los personajes tiene un significado.
2. Explicó que Macha el dinosaurio va enfocado a los niños más pequeños quienes regularmente gustan de estos animales a edades tempranas.
3. Zomberto el zombie es para adolescentes, ya que al hablar no se le entiende del todo, por lo que busca que los jovencitos se sientan identificados al sentirse incomprendidos en ocasiones,
4. Y por último, Wolfinkus es un lobo ya que este mamífero tiende a estar en manada y cuidar de los miembros de la misma, enfocándose en la unión familiar.
5. ALGUNAS DE SUS CAMPAÑAS
6. Esas historias darían inicio al proyecto que ha tenido más de 150 mil impactos directos en sus visitas a más de 270 escuelas y con su primera campaña “No + Bullying”.
7. En esta campaña participaron en algunas cápsulas informativas artistas como Alex Lora y Tatiana, entre otros.
8. Igualmente en su siguiente campaña “Todos podemos ser un héroe”, el cantautor Joel Jáuregui grabó una canción junto a Rock & Monsters, así como bomberos, policías y protección civil, entre otros.

• El objetivo de esa campaña, según Clarck era el de mostrar a los niños diversos modelos de héroes, distintos a los que ven en televisión y que en ocasiones enaltecen antivalores.
• Su última campaña hasta el momento abordó el tema de la inclusión, donde hicieron un cover de la canción The Wall de Pink Floyd,
• “Ahora sí que usamos una canción de protesta para otra protesta “, menciona entre risas Clarck, quien asegura que seguirán rockeando por los valores.

¿Cuál es la influencia del rock en la sociedad?

Género popular, surgido en el siglo XX, que dio paso al origen de bandas y artistas, y de otros géneros que lo tomaron de inspiración musical – Este estilo o género de música surgió en 1950, aunque previamente se podía hablar ya de formas anteriores como el swing o el rock and roll.

• El rock es realmente clave si se entiende que es lo que permitió el nacimiento de un increíble número de bandas y artistas hoy reconocidas mundialmente y definidas como influyentes en el arte de nuestra época.
• Además, el rock también ha servido para ver nacer otros géneros de música actuales que parten de su base.

Fue impulsado mediante estrellas como por ejemplo Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard. Todos ellos y muchos otros más fueron líderes del rock and roll, una forma previa al rock propiamente dicho que tenía mayores raíces en el swing bailable de la década anterior.

Luego, en la década de 1960 el rock se hizo especialmente popular e importante en Inglaterra con bandas enormes como The Beatles (quizás la banda de rock más importante de la historia), The Rolling Stones, The Who, The Kinks, etc., a partir de las cuales surgieron posteriormente muchas otras bandas y artistas influenciados por ellas en todas partes del mundo.

Ha sido caracterizado como una forma de arte muy popular debido a que hoy en día cualquier persona conoce este género de música, lo ha escuchado y reconoce al menos a algunas de las bandas mencionadas y a muchas otras. Esto sucede a diferencia de muchos otros géneros que han surgido posteriormente y que son escuchados en reductos o reducidos grupos de personas en comparación, típicos de algunas tribus urbanas o sectores sociales incluso.

¿Quién es el rey del rock nacional argentino?

Charly García, el rey del rock argentino, cumple 70 años.

¿Qué efectos tiene el rock en el cerebro?

Mejora tu rendimiento mental con el rock – El rock ha sido un estilo musical que se ha relacionado con la poesía de forma muy estrecha. Y es que, además de sus composiciones rítmicas, el rock no puede entenderse sin una elevada calidad en sus letras. Esto también ha sido estudiado a fondo, y tiene un gran valor para los amantes del género.